El Club Silencio

Deseo, peligro, Homeland

2011-12-06T22:25:00.000+01:00

La intriga conspiranoica de la era post 11-S ha ganado enteros gracias a Homeland, y lo curioso es que no precisamente por su discurso político. La serie emblema del nuevo cable de Showtime fue pronto coronada por la crítica amateur y especializada como el mejor estreno del otoño, y es que la malrollera frescura de Carrie Mathison ha concedido un lustre innegable a un género muy vistoso pero llamado a cerrar filas. Homeland es la hermana serializada y borde de 24, Flashforward y Person of interest, y no menos cínica e insondable que Rubicon. Howard Gordon y Alex Gansa, del backstage de 24, añaden un agradecido plus de complejidad emocional al ideario antiterrorista de Jack Bauer, igual de entretenido pero mucho más profundo. Si algo nos ha enseñado The Good Wife es que las decisiones políticas se toman en casa; Homeland difumina aun más el convencional límite entre lo correcto y lo incorrecto en una historia en que la culpa, el miedo, el resentimiento y el deseo son mucho más peligrosos que las bombas.

La de Showtime juega muy bien las cartas del género tirando de interrogatorios e imágenes del skyline desnudo de Washington para hacernos entrar en el juego del ratón y el gato de los protagonistas: Carrie (Claire Danes), agente de la CIA siempre en guardia ante la sospechosa aparición de un soldado desaparecido, Nicholas Brody (Damian Lewis). Homeland arma una revisión de la novela y serie israelí Hatufim (literalmente, abducidos), también traducida como Prisoners of War, cercana al panorama político contemporáneo, mucho más tramposo, angustioso y visceral; da la vuelta al clásico El mensajero del miedo y lo transforma en una versión televisiva de la modernísima Deseo, peligro, de Ang Lee. La pesadilla del terrorismo convierte a Carrie en una cazadora despiadada, que no duda en mimetizarse con el sargento Brody, vigilar su alcoba día y noche y meterse en su cama, para descubrir su secreto. No hay duda de que los mejores momentos de Homeland, también los más perturbadores, son aquellos en que la protagonista se sacude de escrúpulos y convierte al malo en una víctima de su paranoia.

Y es así como Carrie lleva al espectador a la trampa. Consciente de que el público intuye las reglas del juego genérico, sobre todo la que obliga a sospechar tanto del bueno como del malo, la serie convence de la chifladura de la protagonista y declara inocente a Brody para desmontar el artefacto un capítulo después. Homeland es un dispositivo narrativo tan manipulador como lo que cuenta (ha sido comparada con The Killing), lo que hace magistral y simbólica su representación de lo político a través de algo actualmente tan tramposo como la mente de un personaje. Y es que parece que la televisión se empeña en que no nos fiemos de ella ni un pelo. Lejos del azar argumental de series como True Blood, Homeland y The Killing sí saben trasladar la complejidad de la realidad contemporánea (el terrorismo en un caso, el asesinato en otro) a un mecanismo televisivo tan sintomático como entretenido y consumible por el espectador medio, aunque parezca un tanto inaccesible en ocasiones.

Hell On Wheels; hiperrealismo western

2011-11-11T00:00:00.002+01:00

Decir que Cullen Bohannan comparte caballo con Seth Bullock es el despropósito seriéfilo de la temporada. Que Deadwood sea el único western de la televisión de las últimas décadas (insisto: El revólver maldito y Tierra de lobos no cuentan) y encima se haya llevado la palma como el más significante producido nunca para la pequeña pantalla no quiere decir que toda serie del oeste tenga que parecerse a ella. De hecho, el western crepuscular parece estar de capa caída y han tenido que venir alienígenas a alegrar el cotarro del lejano oeste con más o menos fortuna; Gateway, próxima incursión de TNT en el género, y Hell On Wheels, de estreno en la parrilla de AMC, son el reverso catódico de este far west posmoderno. Joe y Tony Gayton, responsables de esta última, demuestran que conocen las reglas de los ejemplares más clásicos del western y se han propuesto darle visibilidad, colorido y filtros de Premiere. Hell On Wheels es a las pelis del oeste lo que Spartacus al gladiador y Roma al género histórico. Puro hiperrealismo, vamos.

Lo del arrepentimiento y la redención no se lleva en Hell On Wheels, o al menos de momento, y mucho menos teniendo como protagonista a un ex militar, Cullen Bohannan (Anson Mount), que busca la sangrienta venganza de los hombres que mataron a su mujer. Y encima quiere que nos parezca bien, así, a lo Revenge. Ni desmitificación del género ni exploración histórica; la serie de la AMC se sirve de Hell on wheels, el campamento de constructores de Union Pacific, el primer ferrocarril transcontinental de Norteamérica, para contar una historia más sobre el resarcimiento y la corrupción del poder con algún tiroteo de por medio. Y de paso poner en forma contemporánea algunas de las fórmulas del western, uno de los géneros más desagradecidos para la televisión. El piloto de Hell On Wheels es sintomático: Bohannan ayuda a situar la trama principal en un contexto espacial determinado, presentar de forma sencilla a los personajes, y plantear de manera atractiva las principales líneas de continuidad (¿seguirá la conclusividad de Revenge en la venganza?). Y eso es mucho pedir.

Donde Deadwood emplea las formas del western para desmitificar su significado más clásico y arrojar algo de luz sobre el contexto histórico, Hell On Wheels utiliza ese contexto histórico como simple excusa para ejercitar las convenciones del oeste audiovisual. Su falta de densidad dramática respecto a la de HBO (es complicado ser tan densa como ésta) no resta también en su honestidad; no es para nada despectivo usar las reglas del género con el sencillo fin de entretener, siempre y cuando las fórmulas destilen el significado para el que fueron creadas. Y lo bueno es que Hell On Wheels hace un lavado de cara a esas desgastadas convenciones y se las entrega a AMC brillantes y engrasadas. La serie de los Grayton se aprovecha de un espacio que da mucho juego (el campamento de Hell on wheels), personajes condenados y malos de libro; tira de imaginario audiovisual y composición westeriana (véase la escena de la iglesia) de una manera hipervisible y casi incómoda, pero de momento entretenida. Hell On Wheels es un western ciertamente retórico y vergonzante, pero es que como Deadwood no hay ninguno.

Ringer; The CW meets Hitchcock

2011-11-08T19:16:00.000+01:00

The CW sabe quién es Hitchcock, y se ha propuesto desatar su ira póstuma. Ringer se pirra por el suspense criminal y el giallo italiano y todo lo sintomático y actual que tiene el rollo de la identidad. La cosa es que la nueva serie de Sarah Michelle Gellar se aleja de Fringe en esto de la bipolaridad contemporánea y se acerca peligrosamente al culebrón noventero de Manuela, ése en el que había una gemela buena y otra con la cara achicharrada. Y ahora no parece tan mala idea; lo cierto es que Eric C. Charmelo y Nicole Snyder, responsables de Supernatural, sorprendieron en su intención de producir para The CW una serie sobre la suplantación de personalidad entre dos hermanas con el mismo rostro, algo todavía no muy explotado en la tele yanqui, y mucho más si conseguían rescatar a una estrella catódica como Buffy Cazavampiros y darse algo de publicidad. Ringer sobrevive a pesar de las críticas, y mejora capítulo a capítulo su potencial como intriga fratricida. Eso sí, habiendo sacrificado desde el primer episodio la seriedad por lo bizarro del invento.

Bridget Kelly y Siobhan Martin fueron las primeras en aterrizar en la parrilla de otoño, y con razón. The CW preveía que su serie iba a ser la risión de la temporada, así que cuanto antes pasáramos el trago mejor. Y eso que Charmelo y Snyder se lo curraron para la ocasión: el piloto de Ringer despliega la historia de Bridget, que recurre a su hermana gemela, Siobhan, con la intención de huir de un antiguo novio de cuchillo fácil. En esto que Siobhan muere devorada por un chroma y Bridget toma la vida rica y neoyorquina de su consanguínea, sin saber que ésta tiene mucho más que esconder. Para el resto de capítulos, Ringer tenía buena materia prima: persecuciones pistola en mano, baúles con sorpresa dentro y alguna que otra llamada telefónica a lo slasher para poner los huevos de corbata. Y es que no está nada mal columpiarse en referencias genéricas de efectividad más que comprobada, y mucho menos en esta época (véase Pan Am), pero sí convertir una buena idea en un desfile superficial de bolsos y tacones y una lista de Spotify de teenager confundida.

El principal problema de Ringer es que ni ella misma se toma en serio, y mucho menos cuando Sarah Michelle Gellar, una actriz de demostradísima limitación interpretativa, tiene que dar la cara doblemente. Acompaña a la susodicha un reparto de actores más o menos buenos (Tara Summers es de lo mejor de la serie, Ioan Gruffudd no lo hace mal y Kristoffer Polaha podría dedicarse a otra cosa) cuya actuación se pierde entre la vistosidad de los lofts del Upper East Side y los peinados chonis de Bridget/Siobhan. Justamente cuando Ringer empieza a demostrar su calidad como soap-opera criminal, la ficción ya ha dejado más que claro que su única baza para que la audiencia se quede con ella es repetir una y otra vez anécdotas cutres sobre espejos que no dejan de devolver dobles reflejos. ¿Nos quedamos con Ringer como thriller o como una Gossip Girl malrrollera para maduras? Lo innegable es que The CW lo ha vuelto a hacer. Conseguir que una serie sea buena de lo mala que es, que también tiene su mérito.

Pan Am; kitsch y sinvergüenza

2011-10-24T01:59:00.000+02:00

Pan Am es descarada, facilona, utópica, cliché y empalagosa; Pan Am desafía las leyes de la verosimilitud, la masculinidad y la diégesis, y aún así es uno de los mejores estrenos de la temporada. Y lo cierto es que no sabemos muy bien por qué; Pan Am no es Ringer, imprescindible en su bizarrismo, ni True Blood, que nos ha cogido el brazo después de darle la mano. Lo de las azafatas de ABC es un cuento hiperrealista de nostalgia sesentera, y parece que nos ha conquistado por su frescura, su optimismo, y sobre todo, por su honradez. Lo que demuestra que no hay que tirar de densidad dramática a lo Weiner o de la transgresión formal de Murphy para hacer honor a un contexto y unas referencias concretas… Las networks ya no tienen complejo HBO; son capaces de cumplir lo prometido al espectador a base de historias con mucha miga de originalidad. En el preciso instante en el que el efecto Mad Men empezó a dar dolor de cabeza (sí, me refiero a The Playboy Club), Pan Am llegó haciendo caso omiso del envoltorio histórico y social y pasó directamente a darnos envidia de sixties.

A Jack Orman (Urgencias) y Thomas Schlamme (El ala oeste de la Casa Blanca) no les da vergüenza ser mitad novela de Danielle Steel, cuarto de culebrón venezolano y popurrí kitsch de referencias para el resto… De hecho, es posible que el eclecticismo del que hace gala Pan Am sea la única manera de contarnos esta contemporanísima historia sobre la aerolínea estadounidense más importante durante 60 años. Las hermanas Kate y Laura, ambas azafatas, la mayor espía del gobierno anticomunista, la pequeña recién huída de su boda; Colette, una francesa muy echada pa'lante con un pasado muy duro; Maggie (Christina Ricci), capaz de arriesgar el empleo por su fanatismo a lo Kennedy; Ted (Michael Mosley), piloto militar relegado al vuelo comercial… Todos parecen ser hijos del espíritu bigger than life que la ABC ha querido otorgar a la Pan American American Airways, una excusa para hablarnos de originales experiencias sobre confianza, sueños y otros subidones de glucosa.

Seguro que hemos oído mil veces acerca de ambición, valentía y superación de lo tradicional, pero nunca de boca de Pan Am. Es más, lo mejor que podían hacer los productores para que nos tomáramos en serio tanto algodón de azúcar era hacer otro tanto con su propio proyecto. Pan Am es irreverente, autodidacta y sinvergüenza; la serie roba a la historia la época, se apropia de la imagen colectiva de las ciudades capítulo a capítulo, aprovecha tópicos culebroniles y tramas a lo novela rosa, pone formas muy clásicas y usa flashbacks cuando le da la gana. Lo curioso es que tal jaleo referencial no se extiende a la esencia de la serie; Pan Am tiene grandes y muy particulares personajes, combina la serialidad y lo conclusivo como buena serie de network, es coherente en sus líneas de continuidad y respeta el leitmotiv idealista que ha prometido al espectador. Y aun así, parece que crítica y público no nos ponemos de acuerdo una vez más; Pan Am planea sobre la cancelación, pero no será por no haberse currado el volar con nosotros.

Las chicas de la tele (II): New Girl

2011-10-21T15:08:00.000+02:00

2011 es el año en que la sitcom tira la casa por la ventana. Por si quedaba aún alguna duda de que la comedia está en el punto de mira de los medios especializados por ser el género a la vanguardia televisiva de las últimas temporadas, New York Magazine retoma esta semana la reflexión sobre por qué podemos agradecer a Modern Family el renacimiento de la sitcom. Y parece que gran parte de todo esto se lo debemos a las chicas de la tele. Estaba claro que, después de tantos años de ver el formato de risas enlatadas como una antigüedad un tanto molesta que no tiramos por cariño, las fórmulas de la comedia estaban obligadas a vivir unas bodas de oro como Dios manda. Y en esto que llegó Modern family tras el fenómeno Friends-nostálgico de Cómo conocí a vuestra madre y el pelotazo de 30 Rock. La serie familiar de la ABC llegó para meterse a público y crítica en el bolsillo en sólo dos temporadas: no sólo vale con resultar gracioso, también tienes que saber buscarle las cosquillas a la audiencia, y Modern Family supo hacerlo con el retrato del nuevo hogar norteamericano.

New Girl y otras series ya comentadas como 2 Broke Girls o Suburgatory son hijas descaradas, más cool y cosmopolitas de la comedia yanqui en esta nueva edad de oro. Y algo nuevo tendrán que contar cuando éstas triunfan y sus hermanos a lo macho norteamericano se conforman con comerse los mocos. Y no me refiero a Ted Mosby... Las audiencias confirman el ocaso de la masculinidad noventera; How To Be a Gentleman no ha durado ni dos telediarios en CBS, y Last Man Standing y Man Up intentan mantener el tipo en ABC con su discurso sobre lo complicado de ser hombre cuando las jóvenes catódicas dejan de realizarse a través del compromiso emocional y pasan directamente a los follamigos. Max, Tessa y Jess reniegan del amor a base de decepciones y buscan alegrías en la amistad y el trabajo, en lo que creo una representación mucho más certera de las inquietudes femeninas actuales.

Lo de New Girl es mérito doble; Elizabeth Meriwether, guionista de la peli Sin compromiso (nueva pista), y Zooey Deschanel se lo curran en su intención de dar una vuelta de tuerca a la comedia de chicas (de hecho, chica sólo hay una) a través de Jess, quien se muda a un apartamento de maromos después de que su novio le ponga los cuernos. Y lo que parece una historia clásica sobre empezar de cero a los veintimuchos es la coartada perfecta para poner en forma un producto con ganas de audiencia y unas pretensiones de calidad en la representación de la joven nowadays que se queda a medio camino por su falta de gracia (me refiero a la serie, que yo por Zoeey mato). Su originalidad empieza y acaba en el protagonismo femenino y en ciertas referencias culturales que la nombran comedia indie por excelencia; Deschanel destaca por abandonar los complejos a golpe de muecas desvergonzadas, escenas de Dirty Dancing y música de She & Him. New Girl será aún deficiente en esto de provocar carcajadas, pero es imprescindible para ver por dónde van los tiros de la ficción femenina actual.

The Walking Dead, a medio camino

2011-10-18T21:22:00.000+02:00

Los zombis de la AMC no levantan cabeza. Es cierto que los de The Walking Dead también han tenido que sufrir los recortes por parte de los directivos del cable, al igual que les pasó a otras de las mejores ficciones de la cadena como Mad Men o Breaking Bad; sin embargo, el proyecto emprendido por Darabont ya chirriaba mucho antes del atraco a mano armada perpetrado por los ejecutivos. El cambio de guionistas a finales de 2010, la espantada del creador y ciertas decisiones incomprensibles de programación (primero seis capítulos, luego una premiere de una hora, meses después el resto de la temporada) no han hecho más que agravar un problema que la serie parece traer de fábrica: concepto y personajes. Y eso que el regreso de The Walking Dead dice todo lo contrario; la AMC se metió el domingo en el bolsillo con más de 7,3 millones de espectadores y una mejora respecto a la primera temporada. El proyecto conquistó en su pretensión de cultivar un género terrorífico muy potente y actual; sin embargo, es innegable que los walkers siempre se han arrastrado a medio gas.

Aún así, Glen Mazzara puede darse con un canto en los dientes, pues la premiere ha conseguido el respaldo de la audiencia haciendo honor a los mejores momentos de la primera temporada. El productor que ha pillado la silla de Darabont retoma la serie cuando los protagonistas abandonan definitivamente la ciudad de Atlanta hacia la base de Fort Benning; las primeras escenas, en que el grupo liderado por Rick es arrinconado por los zombis en una carretera comarcal, recuperan la tensión de los primeros capítulos y hacen olvidar algunos momentos de lo más what the fuck (el que distinga entre carne de marmota y carne de niña en el intestino de un zombi que levante la mano). Pero no sólo de entretenimiento viven los Grimes… Es el momento en que el guión se mete en harina de personajes cuando más notamos los pespuntes del producto; los problemas familiares se reducen a la pataleta de un niño; los de fe, hablando con la figura de un Cristo; y los de desesperanza, prohibiendo el suicidio. La originalidad de The Walking Dead termina en el maquillaje y las bocas abiertas, y la sutilidad brilla por su ausencia.

Y es que es injusto que The Walking Dead hubiera ganado el premio al blockbuster de calidad mucho antes de su estreno. AMC, nueva creadora a lo HBO, y Darabont, curtido en pequeñas películas de grandes guiones, otorgaron al proyecto un crédito que han deslegitimado sus seis primeros capítulos. ¿Es The Walking Dead tan superficial en el retrato de protagonistas y en su discurso sobre la fe y la esperanza por su adhesión al cómic? Y ya que muchos críticos defienden que la versión audiovisual se diferenciara de la novela gráfica y profundizara en su vertiente de personajes, ¿por qué la serie no se desmarcó también en líneas de continuidad que habrían dado mucha vidilla, como retrasar el encuentro entre Rick y su familia, contar algo más de Morgan y su hijo, plantear un enemigo humano en aquel que abandonaron en el tejado, o indagar en las causas y situaciones del contagio? Conscientes ya de que The Walking Dead ha puesto tierra de por medio respecto de lo que muchos esperábamos de Darabont (una La carretera o una La niebla televisiva), la ficción debería abandonar las pretensiones y apostar por el entretenimiento. Mejor eso, con diferencia, que quedarse a medio camino.

Norteamericanamente acojonante

2011-10-14T19:11:00.000+02:00

"Genial, ahora somos la familia Addams"; no podemos negar que Ryan Murphy y Brad Falchuk son claramente conscientes en su vocación de pastiche terrorífico. No podría ser de otra manera titulándose su nueva serie American Horror Story. El resplandor y La semilla del diablo por delante, fantasmas, deformidades, enfermedades, leyendas urbanas, serial-killers a lo Ed Gein y la banda sonora de Psicosis de fondo. Los de Glee han cambiado de tercio, se han arremangado y no se han dejado nada norteamericanamente espeluznante en el tintero, y aun habiendo apuntado tan alto en su revisión panterrorífica, han cumplido con creces en los dos primeros capítulos. Y no sólo en lo de acojonar (ver la cabecera basta para que se te pongan los huevos de corbata) sino también en su reflexión sobre lo que las fórmulas del horror occidental tienen que decir acerca de lo social. Porque lo último que quiere Murphy con su American Horror Story es darnos miedo; el terror es una coartada para hablar de la familia y otras cosas que, si lo pensamos, son igualmente aterradoras.

Empezando por la casa encantada. Y eso que no hay una receta más manida, pero lo que luce en American Horror Story es de libro. Los Harmon (Dylan McDermott, Connie Britton y Taissa Farmiga) se trasladan de Boston a Los Angeles con la intención de comenzar de nuevo cargando el recuerdo de unos cuernos maritales y un sangrientísimo aborto, y no podrían haberse agenciado un chalé más malrrollero. Y es que ya decía Josep M. Catalá, entendido en esto de las manifestaciones artísticas de la última década, que la figura convencional de la casa iba a volver al cine y la tele de nuestros días post 11-S para hablarnos de la reconstrucción metafórica del hogar. En American Horror Story, nada más lejos de la realidad. Es sintomática la presencia constante de la casa, en este caso para mostrarnos los fantasmas que amenazan la integridad de la familia norteamericana, desde Moira, chacha viejuna o buenorra según la mires, a Constance (Jessica Lange es de lo mejor de la serie), una vecina con muy mala idea. No hay que ser muy listo para ver que no es el sitio perfecto para empezar de cero.

Porque la casa protagonista de American Horror Story tiene una relación muy peliaguda con el pasado; la serie profundiza capítulo a capítulo en el historial sangriento del nuevo hogar de los Harmon, donde los asesinatos y las desapariciones misteriosas eran el pan de cada día. Murphy y compañía indagan en la relación que las convenciones del cine de terror de los 60 y 70 guardan con los norteamericanos, como el inmovilismo social, la religión el sexo y la culpabilidad; y con ciertas figuras de horror colectivo, como el cáncer, la psicopatía, la esterilidad. Los horrores de entonces, heredados de las convenciones culturales de la época, arrastran a Ben y Viven a la destrucción familiar: el primero es un Jack Torrance moderno encaminado a la mentira y la infidelidad; la segunda es embarazada a lo Rosemary Woodhouse por un misterioso ser encuerado meses después de haber sufrido un aborto horrible. Y lo curioso es que no nos importa qué pasa realmente en esa casa, pero sí cómo lo solventan los protagonistas. Porque, por muy acojonante que pueda ser, American Horror Story no es una serie de terror; si me apuráis, es una serie sobre el terror.

Las chicas de la tele (I): Awkward, Suburgatory y 2 Broke Girls

2011-10-12T00:00:00.004+02:00

Ya lo dijeron los de New York Magazine el mes pasado, abriendo el debate televisivo de la nueva temporada: los hombres de las nuevas sitcoms odiarían a las chicas de las nuevas sitcoms. Y es que parece que se han puesto de acuerdo los estrenos más resultones de los últimos meses… Awkward, New Girl, 2 Broke Girls, Suburgatory y Enlightened pueden ser muy diferentes en personajes, fórmulas y público, pero no es absurdo decir que coinciden en esencia. Es curioso que estas series, puntales de audiencia en pocas semanas (2 Broke Girls ha levantado los lunes de CBS y New Girl es el nuevo buque insignia de Fox) pero más o menos desapercibidas para la crítica, hayan provocado cierto revuelo en esto de la representación de la mujer en televisión sin ni siquiera pretenderlo… ¿Son las nuevas La chica de la tele?

No es descabellado pensar que esta revisión del paradigma femenino opere a través de la comedia. Ya lo consiguió Mary Tyler Moore allá por los 70 y lo cierto es que, aunque otras series como The Good Wife o How to Make It in America han hablado de la esposa trabajadora y de la joven que sabe sacarse las castañas del fuego, por citar sólo dos ejemplos recientes, la risa ha demostrado ser el método más positivo, permeable y menos intencional para hacer política. La estructura de la comedia de los últimos veinte años viene de la mano de los Kelsey Grammer, Jerry Seinfield y Larry David de turno; Zooey Deschanel, Whitney Cummings, Laura Dern y compañía se sirven ahora de las fórmulas heredadas del patriarcado televisivo de los noventa para hablar de la mujer que hace lo que le da la gana en pleno siglo XXI.

Lauren Iungerich, productora curtida en la ficción teen con la versión catódica de 10 razones por odiarte, fue la primera en dar que hablar este verano gracias a Awkward. La serie de la MTV, una comedia juvenil entretenida y muy sencilla, conquistó a pequeños y mayores por lo real de su retrato sobre la inadaptación adolescente: Jenna (Ashley Rickards) es guapa, lo que no le impide ser muy pringada; Jenna está colada por un chico que no quiere ser su novio, lo que no les impide acostarse juntos. Suburgatory, de ABC, ha tomado el relevo a Awkward en esto de la destrucción de las barreras entre lo ideal y lo real de las jóvenes; la productora de comedia Emily Kapnek habla de una chica de Nueva York (Jane Levy) que odia tener que mudarse al empalagoso barrio de las afueras después de que su padre descubra un condón en su armario. Jenna y Tessa reniegan del ideal teenager; no quieren la familia perfecta, ni belleza, ni popularidad, sólo mantener su personalidad frente a lo que los demás exigen.

Y en esto que llega 2 Broke Girls; Michael Patrick King (Sexo en Nueva York) y Whitney Cummings (Whitney) se hacen con Max (Kat Dennings) y Caroline (Beth Behrs) para hablar de lo complicado que es tener ambición en época de crisis. Porque lo que quieren las nuevas camareras de CBS es dejar de currar en la hamburguesería y montar una tienda de cupcakes… Del amor y la familia, de momento, ni mu; de hecho es sintomático que las dos pasen de sus padres y que Max se deshaga del capullo de su novio en el primer capítulo. 2 Broke Girls es mucho más convencional en el género (pura sitcom) y puede que también en eso de que la amistad es suficiente para tirar pa’lante, pero lo curioso es que a sus protagonistas no les importa lo más mínimo ser mal habladas y pegarse con las demás chicas del barrio por una camiseta del mercadillo con tal de ir ahorrando algo para su negocio. Parece que es así es como se las gastan las chicas de la tele a partir de ahora...

¿Qué hay que saber sobre Hell on Wheels?

2011-10-10T17:55:00.002+02:00

A los de la AMC les gusta dar que hablar. Y no, esta vez no me refiero a Mad Men. Después de haberse convertido en una de las privadas más odiadas de los últimos meses (véase cancelación de Rubicon, negociaciones con Weiner, espantada de Darabont y premieres rarunas de The Walking Dead), AMC vuelve con ganas de bombazo. Y eso que, por el momento, Hell On Wheels está pasando de lo más desapercibido, ya sea por desconfianza de los medios y el público hacia la cadena teniendo en cuenta lo mal que se han portado con sus productos o por ser uno de los últimos estrenos en aparecer por la parrilla otoñal… La cuestión es que, rencores variados aparte, el western que los padres de las últimas joyas del cable han preparado para el 6 noviembre es una de las promesas de la temporada. Y es que ya hay que ser valiente para toserle al western, y si no que se lo digan a Joe y Tony Gayton, a la cabeza del proyecto. Queramos nosotros o no, Hell on Wheels tiene muy buena pinta.

Años después de la grandísima Deadwood, intocable en esto del far west, y meses antes de la llegada de Gateway, incursión de TNT en el género, Hell on Wheels pretende alegrarle la mañana a los incondicionales con una del oeste en condiciones. Y si no, atentos al argumento; allá por 1860, tras el final de la guerra de Secesión norteamericana, Cullen Bohannan (Anson Mount) se une a la construcción del primer ferrocarril transcontinental con la intención de cargarse al asesino de su mujer. Pero no sólo de venganza vive el vaquero… La nueva de la AMC promete entretenimiento a tiro limpio (más que Deadwood, suficientemente genial en la profundización dramática de la época), pero también indaga en uno de los mitos westerianos más desconocidos; con la expresión hell on wheels (el demonio sobre ruedas) se referían al peligroso campamento que levantó el tren de Union Pacific. Y después de esto, decidme que la AMC no se está currando una nueva oportunidad.

Gran Hotel, otra historia sobre ficción española

2011-10-07T00:00:00.003+02:00

En televisión está a la orden del día eso de tener buenas ideas y no saber o no poder explotarlas de la manera correcta; nos hacemos cargo de que es imposible controlar todos los factores que intervienen en este tipo de proyectos. Pero lo de la ficción catódica española es de campeonato: es experta en hacer series chapuceras incluso teniendo tan a mano los referentes en que claramente se inspira. Porque lo de que Gran Hotel es la Downton Abbey cañí no lo digo yo… La serie de Bambú para Antena 3 se enorgullece de ser una adaptación castiza de la británica acerca de las vicisitudes sociales allá por 1900, y sólo hay que echarle un vistazo al primer capítulo para darse cuenta. Hasta ahí la buena idea. Como ya se habló a partir de The Playboy Club, el de Gran Hotel es un problema de figura y fondo; sabe explotar las formas del género al que reverencia, pero no tiene un discurso que articular a través de ellas. Gran Hotel no tiene alma.

Y eso que ya les gustaría a muchas poder decir que son primas lejanas de Downton Abbey. Es uno de los primeros casos en que no se demoniza a una ficción por inspirarse en otra; ya no sólo por el éxito internacional incontestable de la primera, sino por su afán en actualizar las formas del melodrama de época, denostado en la televisión de los últimos años y que podría tener mucho que decir en España. De hecho, los mejores momentos de Gran Hotel son aquellos en los que se dejan entrever tales fórmulas: el encuentro de los protagonistas en la estación (el tratamiento temporal de esta escena recuerda a Downton Abbey); el montaje paralelo entre los vagones de primera y tercera clase; las referencias a lo epistolar en la relación entre Julio y su hermana; la desaparición misteriosa de ésta. Los primeros diez minutos demuestran que Gran Hotel podría ser digna sucesora del género al que homenajea conscientemente; los problemas, como en toda ficción española, vienen después, y provienen de mucho más arriba.

Ser tan perfecta en producción y mucho más correcta de lo esperado en guión y dirección como Gran Hotel (bravo al equipo de Bambú ; Ramón Campos, Carlos Sedes y compañía) no es suficiente cuando lo que necesita nuestra industria es una revolución en programming y scheduling, como bien dicen los americanos. Los defectos de la nueva de Antena 3 sobresalen cuando la duración de la ficción para su acomodo en parrilla (scheduling) agota sus virtudes hasta el extremo y deja en bragas el artificio, pues no sólo hace falta un género, sino algo que contar a través de él (programming), y el discurso de Gran Hotel no da para tanto. Estas estrategias claramente fallidas convierten la serie en una desalmada y mecánica acumulación de diálogos rancios sobre familias desheredadas, mujeres independientes y relaciones a lo Titanic, que demuestran además lo limitado del star-system juvenil, empleado únicamente para llamar audiencias. Gran Hotel es otra historia más sobre la ficción española; lo que pudo ser y no fue.

Silk; excesos de justicia

2011-10-05T00:00:00.004+02:00

En una época en que la justicia se decide a cuchilladas en un apartamento (véase Damages) o a base de intrigas de despacho (véase The Good Wife) oír eso de que uno es inocente hasta que se demuestre lo contrario suena un poco a chino. Y aunque vemos que los chicos de Silk tienen mucho afán por demostrar que son los más justos de la tele, al final acabamos viéndole lagunas al tema de la imparcialidad. Y no porque el drama legal que la BBC estrenó a principios de año no se lo tome en serio; el bufete londinense de Shoe Lane se deja del rollo sangriento y emocional, eso que parece darle vidilla a los tribunales yanquis, y se mete de lleno en cómo manejan los barristers ingleses los efectos contradictorios de un superávit de honradez. Parece que los de la cadena pública se empeñan en cagarse en todo lo políticamente correcto que han construido durante tantos años (véase también The Hour); ahora van y nos dicen que el camino de la justicia no tiene por qué ser precisamente el mejor.

Y mucho más mérito tiene que Silk haya vencido las barreras culturales y sea reconocida en Estados Unidos como una de las mejores series de abogados ever. O al menos eso dice Sarah Palin sobre la serie de Peter Mofatt... Y en el caso de que este argumento no os convenza del todo, os diré que Martha Costello (increíble Maxine Peake), la prota de la serie, compite en adorabilidad y pasión en su trabajo con la mismísima Alicia Florrick, que no es moco de pavo. En su carrera por conseguir un puesto Silk (algo así como un importante fiscal de defensa), Costello nos muestra lo complicado que es querer a ayudar a tus clientes cuando tienes que tomarte la ley al pie de la letra. Peor aún si tienes que lidiar con conspiraciones de bufete, que los de Shoe Lane son ingleses pero ni un pelo de tontos; el abogado Clive Reader (Rupert Penry-Jones, Match Point) es capaz de aliarse contra su propio jefe, Billy Lamb (Neil Stuke), para quitarle el curro a Martha, aunque implique hundir al resto de compañeros por el camino. Nada que envidiar a Lockhart & Gardner, vamos.

Y sí, ya sé que las comparaciones son odiosas… La inglesa es lo suficientemente grande por sí misma, pero no viene nada mal alabar las similitudes entre Silk y The Good Wife (el legal más prestigioso y perspicaz de la pantalla actual) si podemos arañar algún visionado más para la de la BBC, uno de los grandes estrenos de la pasada temporada, y el más desapercibido. Silk deja a la Florrick malparada en su visión de lo justo y en la sutilidad en las relaciones entre el abogado y su caso: el piloto es toda una declaración de intenciones al plantear lo injusto del “inocente hasta que se demuestre lo contrario”; conmovedor el proceso en que Martha debe desacreditar a una chica violada ante los tribunales cuando ella acaba de quedarse embarazada; curiosísimo el juicio en el que Costello idea una estrategia de defensa para el acusado al que debe condenar… Donde las grandes tramas criminales y los conflictos políticos a los que estamos acostumbrados son márgenes de la ley, Silk es pura reflexión sobre los excesos de la justicia.

Sleepers: Anna Torv

2011-10-03T00:00:00.001+02:00

Sleeper: dícese de aquellas películas dormidas que despiertan una vez llegan a la cartelera, de pequeñas dimensiones, y que se hacen grandes porque el público las recomienda. El Club Silencio aprovecha la coyuntura y dedica una sección a los mejores Sleepers interpretativos de la tele.

Anna Torv es un Sleepers cantado. Y me ahorro lo de que es una de las mejores actrices que se pasean por la parrilla catódica actual porque respecto a eso no hay nadie que me tosa. Pocas hay que se merezcan un Emmy, un evento de Facebook para peregrinar al set de rodaje y una pancarta con su foto en cada puente de la M-30 como la Olivia Dunham over here (la de fuera de la pantalla, digo). Y es que no se puede ser más profesional, más simpática, tener una sonrisa más encantadora, y a la vez estar tan olvidada por los que se encargan de repartir los méritos televisivos como ella. Pero por algo se dice eso de que mejor solo que mal acompañado; el amor del público más allá de las condiciones de premios y buenas críticas es a lo que se debe el actor… Y en eso, Anna Torv gana por goleada.

Mucho habrá tenido que currárselo ese físico deslumbrante y esa voz que llena la pantalla de carisma para pasar así de desapercibida. Esta australiana de raíces estonias que odia que le recuerden que es medio sobrina de Rupert Murdoch lo ha tenido difícil para saltar al mainstream estadounidense y darse por fin a conocer al público internacional después de haber dado el callo en el prime time de su tierra natal en los años más mozos de su carrera. Con poco más de 20 años debutó en el policial australiano Young Lions y algún que otro filme para televisión hasta que en 2004 consiguió uno de los papeles protagonistas de la cuarta temporada de la Friends de las antípodas, que se dice pronto. “Solía ser cínica respecto al amor cuando era más joven, y eso me sirvió para entender el espíritu de The Secret Life of Us”.

Y así fue cómo Anna Torv se estrenó por las prometedoras tierras británicas. Serie de culto en Reino Unido, su papel de Nikki en The Secret Life of Us (Vidas Secretas en España) fue la excusa perfecta para que apareciera años más tarde en Mistresses, ya como una de las apuestas imprescindibles tras ser premiada por la asociación Australians in Films… Esos sí que son paisanos con buen ojo. La participación de Torv en esta ficción inglesa de 2008, de grandes críticas pero maldita en su comparación eterna con Sexo en Nueva York, fue el trampolín para su posterior adopción por parte de los yanquis, con reto profesional para la susodicha incluido: “Cuando tienes que interpretar a un personaje gay lo normal es pensar ‘ella es homosexual, y tendría que hacer esto o esto otro’, pero realmente tiene relaciones tan normales como el resto”.

Pero para reto en condiciones, que le pregunten a Anna por Olivia Dunham. No contenta con llevar el peso de la serie a sus espaldas, la Torv se ha atrevido con ella misma, su homóloga evil, la Olivia futurible y la Dunham poseída por el mismísimo Leonard Nimoy en la última temporada. Pero ya se sabe que todo lo bueno se acaba y lo más duro es que, a las puertas de la cancelación definitiva de la serie, la prota de Fringe no ha hecho público nada acerca de posibles proyectos. ¿Habrá vida después de Olivia Dunham? Puede que Anna Torv sea una actriz de papeles modestos y puede que su experiencia pueda abarcarse casi con los dedos de una mano, incluso puede que dejemos de verla en las pantallas durante un tiempo, pero será inolvidable por ser de ésas que han hecho grande una ficción sólo con su presencia. Y si eso no es ser una actriz como la copa de un pino, que baje Dios y lo vea.

Revenge; culebrón como Dios manda

2011-09-29T13:01:00.001+02:00

No diréis que no está bien trillada la venganza catódica, sobre todo aquellos criados en la era del culebrón latinoamericano como yo, pero ya decía Karina en sus hits sesenteros que volver la vista atrás es bueno a veces. Y es que lo que necesita la industria televisiva estadounidense después de tanta superproducción fallida es un regreso a los orígenes dorados; no lo digo porque quiera remake de Dallas, ojo (aunque ganas de revisionarla, muchas), sino porque lo que realmente le hace falta a la parrilla yanqui es un culebrón como Dios manda. Creímos que Sarah Michelle venía a solventar el problema, pero ver a Siobhan ahogándose en una piscina de dos por dos sirvió para ver que Ringer no sería la soap-opera de rescate. Y sin embargo, Revenge, de la ABC, con un argumento muy sencillo, un casting joven y casi desconocido y un cartel promocional tan horrible que dan ganas de arrancarse los ojos, da un nuevo sentido a esto del what goes around comes around.

Y atención, porque Revenge no se anda por las ramas; los emocionantísimos primeros diez minutos de la serie muestran la consumación (¿o el intento?) de la venganza, por si pensábamos que la nueva apuesta de la network ABC no va a por todas. Emily Thorne, interpretada por una Emily VanCamp en su mejor momento (Cinco Hermanos), vuelve a su casa de Los Hamptons bajo un nuevo nombre con la intención de destruir a Victoria Grayson (Madeleine Stowe vuelve a la tele con una cara de mala que pide a gritos una muerte a golpes), quien mandó a su padre a la cárcel, y de momento parece que se lo monta bien. El asesinato inicial, además de generar el suspense necesario para que los más morbosos nos quedemos al lado de Emily, es toda una declaración de intenciones: Revenge sabe lo que queremos, y promete dárnoslo en la primera temporada… Para qué engañarnos; en tiempos de crisis, ver un piloto tan prometedor es todo un lujo, incluso para las privadas.

Será porque Revenge cuenta con una materia prima que ya querrían muchos… Se hace cargo del proyecto Mike Kelley, curtido en otras lides como O. C. o Swingtown, y cuenta con un cineasta acostumbrado al movimiento como Philip Noyce (El coleccionista de huesos, Hermanos de sangre)… Revenge no sólo destaca por el planteamiento de la historia y las líneas de continuidad en el piloto; es sorprendentemente efectiva en el retrato y la identificación de los personajes (Emily principalmente, que para algo es la prota) y en la reverencia a las principales convenciones de lo culebronil. Ya sabemos que la derivación televisiva de la soap-opera deja mucho que desear por esto de la continuidad y la dilación de lo emocional, pero es un género único en la representación de la doble moral burguesa y el reverso más sangriento de las pasiones. A este respecto, Revenge pasa de lo primero y apuesta por lo segundo.

The New Wife

2011-09-27T13:11:00.000+02:00

SPOILERS de la season premiere de la tercera temporada de The Good Wife

“Está siendo usted un poco dura. Sí, y sólo estoy empezando”. Así es como se las gasta Alicia Florrick después de deshacerse de su marido y haber entrado al juego sucio de Chicago por la puerta grande en su tercera premiere. Y efectivamente parece ser sólo el principio… Closing Arguments nos dejó con un palmo de narices, y que el regreso superara las expectativas estaba más que complicado, pero los King se han vuelto a marcar un órdago en calidad televisiva y en amor del florrickero incondicional. Desde su estreno en 2009, The Good Wife se tomó en serio lo de "vísteme despacio que tengo prisa", solicitando tímidamente la atención del público, y en pocos meses se convirtió en la niña de los ojos de la crítica. Dos años después es la CBS quien permite a la serie darnos en el inicio de su tercera temporada lo que los seguidores pedimos a gritos: mucha Alicia, mucha Kalinda, mucho Eli… y hasta un poquito de sexo.

¡Y que no nos lo quisiéramos creer cuando empezamos a ver a Alicia Florrick en lencería…! Nos daba miedo el cambio, pero hay que reconocer que aunque The Good Wife da una nueva vuelta de tuerca a los personajes, la serie sigue fiel a la línea política que tantas alegrías nos dio en la segunda temporada. A New Day comienza con un caso de odio entre musulmanes y judíos en una semana en que los titulares vuelven a hablar de Oriente Próximo… Ni hecho aposta. Más allá de la vertiente de personajes que hace de The Good Wife un drama legal muy adictivo por lo poco usual, la CBS ha convertido Lockhart & Gardner en el reflejo institucional y social imprescindible en la parrilla, y por ello a la propia ficción en el pilar de calidad de la cadena… Como ya hizo con Facebook y Strauss-Khan, The Good Wife es perturbadoramente real en mostrar cómo se resuelve en los tribunales el conflicto de lo público.

Y es que Alicia también ha aprendido a medirse con los más tramposos delante del juez… No esperábamos una transformación tan completa, tan coherente con el personaje ni con la serie misma. Para el público era impensable dejar atrás la imagen de la Alicia bonachona que cede y espera, pero The Good Wife se lo ha montado muy bien en su regreso. La prota ha salido del jaleo emocional en que se encontraba y ahora destroza a diestro y siniestro por un caso, pero siempre en defensa de la verdad; confía y se dedica a sí misma, pero siempre después de atender a su familia… Alicia demuestra haber dejado de lado el resentimiento y el dolor que la manejaban (es ella quien ahora parece querer salvar su relación con Kalinda), y es por ello que la resurrección es tan radical y creíble para el espectador. Pero también es una mujer que duda; su imagen en el espejo momentos antes de meter a su nuevo novio en el apartamento familiar es más que sintomática. Como nosotros, Alicia se ha mareado en el trayecto, pero tenemos toda una temporada por delante para que nos encante el cambio.

Manual de los perfectos 60

2011-09-23T16:20:00.000+02:00

The Playboy Club es a Mad Men lo que James Cameron a una de Ford y, si me apuráis, lo mismo que Super 8 a E.T. Y sí, ya sé que Mad Men no ha inventado la ficción en los sesenta, pero es innegable que la de Weiner ha conseguido extraer lo más conflictivo de aquella época para hacernos pensar sobre la nuestra. Los chicos de la avenida Madison, además de ayudarnos a recuperar el tweed y las faldas de vuelo, quieren hablarnos de lo complicado que es querer ser moderno y tener en casa a tu mujer y dos niños (eso que los melodramáticos llaman conflicto entre razón y deseo); las conejitas de The Playboy Club se quedan a mitad de discurso.

Como Santos Zunzunegui hablaba a partir del Avatar de Cameron y el Fort Apache de John Ford, el de la nueva serie de la NBC es un problema de figura y fondo: unos usan las formas del relato para despistar respecto a lo que realmente cuentan (véase Mad Men y la de Ford), y otros copian las fórmulas para que parezca que dicen algo (las bunnies de Heffner y Cameron). Si creéis que el contexto sixties puede permitiros acceder a un conocimiento superior, ésta no es vuestra serie; pero si lo que os interesa es renovar el fondo de armario o tomar ideas en decoración de interior, The Playboy Club es el manual de los perfectos 60:

Historias bigger than life. Dícese de aquellas tramas heredadas del cine clásico a lo sueño americano con olor a maniqueo que tira pa’tras. Es más o menos lo que pretende decirnos la voz que pretende ser la de Hugh Hefner al final del primer capítulo por si no nos había quedado claro (la sutilidad en The Playboy Club brilla por su ausencia): el Chicago de los 60 es un sitio jodido, pero en la mansión Playboy puedes ser quien quieras ser (y por lo visto, también pretende hacernos creer que ser conejita es guay). Es la historia de Maureen (Amber Heard) y Carol-Lynne (Laura Benanti), que se calzaron las orejitas para prosperar en el mundo del espectáculo, y la de Nick Dalton (Eddie Cibrian), honrado opositor a fiscal que carga con problemas de autoestima tras haber trabajado para la mafia solventado a golpe de bragueta. Copia descarada de Don Draper, vamos.

Solidaridad histórica. A The Playboy Club le encanta ponerse del lado de los desfavorecidos… Pero que se sepa, eso sí. Por si alguno tenía dudas respecto a que ser mujer, negro y homosexual estaba muy mal visto por entonces, la NBC mata moscas a cañonazos. Es el caso de Dalton, al que no le importa que le miren mal por reinvindicar la causa racial; Carol-Lynne, que quiere defender la ambición laboral femenina a base de ser una cerda con sus compañeras; o el del marido de Kate, que organiza reuniones de apoyo a los homosexuales en su casa después de ponerle los cuernos a su mujer con otro chico. Donde Mad Men sugiere, The Playboy Club subraya, y ya en el piloto, no vaya a ser que la cancelación le impida explayarse.

Hiperrealismo sixties. En The Playboy Club habrá mucho mafioso, pero también unos áticos de escándalo. Y es que no hay quien se crea que el Chicago de la época era tan aséptico… La serie potencia una ambientación tan perfecta y elegante que da grima en lo que parece una vocación de hiperrealismo de lo que estos chicos han oído que se llevaba en los 60. Un hiperrealismo alejado del de Roma o Spartacus y más cerca de una peli porno con contexto histórico. Canta su excesiva preocupación por la apariencia; dicho de otra manera, y sin connotaciones guarrunas (de hecho, sexo hay más bien poco, lo que es más increíble aún), The Playboy Club es pura pornografía de lo sixties.

Person of Interest; intrigas post 11-S

2011-09-22T02:17:00.000+02:00

Con expectativas como la generada por Person of Interest, ver la tele cada vez se parece más a ir al cine. A la espera de los presuntos taquillazos televisivos de Terra Nova y Alcatraz, el proyecto de J. J. Abrams es el primer blockbuster catódico en asomarse a la nueva temporada. Y con semejante respaldo, la CBS ha tirado la casa por la ventana… Como para ganar premios y ponerse a la altura de las privadas ya tiene The Good Wife, la network se ha rascado el bolsillo y, por lo que parece, tiene confianza en recoger la pasta que ha sembrado para la ocasión; Person of Interest se enfrentará a huesos como Bones, The Office o Anatomía de Grey en el prime time de los jueves a partir de hoy. Y la verdad es que no se sabe muy bien por dónde va a salir el invento… Con Minority Report, Flashforward y un poco de Rubicon como ingredientes televisivos básicos, Person of Interest es una bomba de relojería.

Lo cierto es que con Jonathan Nolan (El Caballero Oscuro) al guión y Michael Emerson (Perdidos) y Jim Caviezel (La pasión de Cristo) delante de las cámaras, la CBS tiene la mitad del camino hecho en cuanto a audiencia se refiere. Conscientes de la ventaja, el piloto de Person of Interest se olvida de contexto y personajes y se mete en harina desde el primer minuto; John Reese, militar retirado y de incógnito, es contratado por Finch, antiguo empleado del gobierno, para salvar a posibles víctimas de asesinato a partir de su número de la seguridad social. Desde este punto la serie prioriza la acción, deja a los protagonistas para después (la historia oculta tras Finch es interesante, pero Reese resulta ciertamente plano) y se reserva estrategias poco sutiles por si en un futuro le interesa retomar líneas de continuidad (los flashbacks sobre la mujer de Reese, ñoños y manidos). Y es que si hacemos caso del primer capítulo, Person of Interest es un procedimental de intriga muy episódico, sencillo y entretenido por el momento. Ni más ni menos.

Lo curioso es que, aunque probablemente ni lo sepa, Person of Interest es un ejemplar paradigmático respecto a la ficción post 11-S. Podemos decir que Los Soprano, El ala oeste de la Casa Blanca o Battlestar Galactica (y si nos ponemos pejigueros, todas las series norteamericanas) son parte del discurso político-social sobre la era del terror en Estados Unidos, pero es cierto que la nueva serie de la CBS no puede negar pertenecer al género particular nacido directamente de los atentados. Al igual que el cine vivió la regresión a ciertas temáticas sobre la conspiración global y la paranoia preventiva (la misma Minority Report, la trilogía Bourne, etc.), productos televisivos como Flashforward, Rubicon o Person of Interest (estas dos últimas con la presencia constante del skyline indefenso del Manhattan económico) profundizan en el miedo colectivo y las estrategias abusivas de defensa. ¿Parece que no hay mucho más que rascar en Person of Interest? Pues acordaos de Fringe.

La sombra de Patty Hewes

2011-09-20T12:00:00.000+02:00

SPOILERS de la cuarta temporada de Damages

Damages se ha dejado el alma por el camino. Y es que, aunque podemos decir que sigue destacando por ser uno de los dramas legales más jugosos en su particular y contemporánea visión de la justicia (además de contar con el mejor tour de force interpretativo de la televisión), está claro que las temporadas no pasan en balde para Patty Hewes. Tras hacer historia catódica por ser especialmente cruda en mostrar la cara oscura de la ley, y poner patas arriba la vida de su pupila Ellen Parsons durante varias temporadas (y de paso a todos los rancios bufetes procedimentales de la parrilla), Patty Hewes ha pasado a hacerse sombra a sí misma en los últimos diez capítulos. Y no porque la evolución natural de la prota haya sido “reducir” sus niveles de malignidad, pues Damages es todavía impecable en su vertiente de personajes… Basta un vistazo a la cuarta temporada para darse cuenta de que la serie ha acabado pagando el pato del cambio de programación.

Muy felices nos las prometimos cuando DirecTV rescató a Hewes & Associattes por dos temporadas más después de que FX les dejara tirados al borde de la quiebra, pero ya se sabe que lo barato sale caro. Aunque la Damages resucitada ha mantenido a los hermanos Kessler a la cabeza del proyecto y unas condiciones de producción más que decentes (casting y localizaciones, precisamente lo menos rentable del invento), es el cambio de guionistas el principal lastre del regreso de la serie. Y eso que el macguffin criminal de esta nueva entrega no tiene nada que envidiar al caso Frobisher: tras contactar con un antiguo compañero, empleado en la empresa de servicios militares High Star, Ellen convence a Patty para arremeter contra el director de la compañía, Howard Erickson (John Goodman), y su contacto en la CIA, Jay Boorman (Dylan Baker), sospechosos de realizar misiones antiterroristas ilegales.

Y es curioso que con una materia prima como ésta Damages sea incapaz de levantar cabeza; cualquier incondicional de la ficción es enseguida consciente de que el potencial dramático que la hizo grande se ha perdido por el camino. El tratamiento temporal, una de las perlas formales de la serie, ha aprobado por los pelos en esta ocasión: las primeras entregas empleaban el salto temporal como píldoras sugerentes de información; la cuarta se limita a repetir cliffhangers sin sentido, perdiendo sutilidad en la dilatación de la intriga criminal. Y otro tanto para la articulación temporal; la trama principal de Nueva York aleja al espectador de la situada en Afganistán, y hace que el protagonista de ésta, Chris Sánchez (Chris Messina) sea casi prescindible. Ni siquiera la cámara de Glenn y Todd. A. Kessler puede enmendar los estereotipos facilones en que cae el guión: los anillos de compromiso que significan la muerte de David, el rollo Redacted de De Palma para misiones militares, etc.

Pero Damages no vive sólo de la sombra de lo que fue, ni mucho menos… Ni cliffhangers ni piruetas temporales; lo que realmente nos interesa de Damages es la guerra fría (y no tan fría) entre Ellen y Patty. Y es que aunque sean extremos opuestos desde el primer capítulo, no podemos dejar de ver en la joven el reverso de la veterana, igual de ambicioso, igualmente dispuesto a sacrificarlo todo por un caso. Será Ellen la que manipule a Patty para llevar a Erickson a los tribunales en esta ocasión; ambas se encuentran a mitad de camino entre la codicia y la culpa: Ellen en busca del caso que la permita trabajar en solitario, Patty hacia la redención por haber destruido la vida de su hijo. Las dos caras de la misma moneda se separan en el momento en que la joven se niega a convertirse en su despiadada compañera y abandona el caso a cambio de la vida de su amigo… Pero no temáis, que todavía hay mucha sangre por correr entre estas dos.

Emmy Awards 2011; con la boca abierta

2011-09-19T19:27:00.000+02:00

Modern Family se convierte en triunfadora del año, Mad Men se va casi de vacío pero con lo más jugoso bajo el brazo, Friday Night Lights se despide por todo lo alto y Downton Abbey arrasa con todo lo que legalmente era para Mildred Pierce. Y es que más allá de todo eso de que para gustos los colores y de que el que se pica, ajos come, los Emmy 2011 han vuelto a hacer que más de uno se lleve las manos a la cabeza. A pesar de las expectativas que ha podido generar el estado de la cuestión catódica a través de las redes sociales y la celebración de los 1st Critic's Choice TV Awards (a tenor de los resultados, antesala oficial de los Emmy), lo cierto es que la entrega de los premios televisivos mainstream ha dejado con la boca abierta a unos y con un cabreo de narices a otros.

Y como yo soy de estos últimos a los que les sale humo de las orejas (razón: conflicto Downton Abbey – Mildred Pierce), me he negado a hacer un repaso de la lista completa de premiados que ya habréis visto en mil sitios, planteando los más y los menos de la gala en las categorías de Mejor drama, Mejor comedia y Mejor miniserie o TV movie. ¿Lo peor de la gala? La ausencia de una categoría para series extranjeras y la derrota de Mildred Pierce. ¿Lo mejor? El reconocimiento a Friday Night Lights (mejor actor principal para Chandler y mejor guión de drama) y The Good Wife (mejor actriz principal de drama para Margulies) y el único pero más que merecido premio para Mad Men (Mejor drama).

Mejor drama

La seguirán nominando, y se lo seguirá llevando. Los entendidos en esto de la tele lo tienen claro; el mejor drama de los últimos cuatro años es Mad Men. Este año nos las prometíamos muy felices con las nominaciones de Friday Night Lights, de merecido reconocimiento en su despedida , y The Good Wife, que empezó como una discreta de las network y ha acabado aguantando el pulso a las más grandes. Sin embargo, la de Weiner es imbatible; incluso ha podido con Boardwalk Empire, una de las favoritas y segunda en la línea de sucesión. Considerada como la nueva Los Soprano, y compartiendo showrunner con ésta, Mad Men juega en una liga superior: insuperable en la creación de personajes, la sutilidad de los guiones, la perfecta articulación audiovisual y la enjundia sociocultural detrás de todo esto.

Boardwalk Empire
Dexter
Friday Night Lights
Game of Thrones
The Good Wife
Mad Men

Mejor comedia

Los Critic's Choice TV Awards nos avisaron hace unos meses: Modern Family arrasará. Y aun compitiendo con algunas veteranas ya curtidas en premios y éxito de audiencia como 30 Rock, The Office o Glee, la de ABC ha acabado llevándose el gato al agua en ésta y en el resto de categorías. Y es que aunque son los dramas los que tienen la fama de poder articular discursos sociales y políticos, es innegable que Modern Family es una comedia única en el cambio de representación televisiva de la familia norteamericana, que ahora es tolerante, interracial y homosexual. Sobresaliente para Modern Family.

30 Rock
The Big Bang Theory
Glee
Modern Family
The Office
Parks and Recreations

Mejor miniserie o TV movie

Y aquí es donde la cosa se pone peliaguda. El hecho de que la Academia de Artes y Ciencias de la Televisión yanqui no haya articulado una categoría para series extranjeras ha provocado que la inclusión de Downton Abbey como miniserie haya dejado compuesta y sin premio a muchas de las que sí cumplen los requisitos para tal clasificación. Downton Abbey es una de las series mejor recibidas por la crítica durante la pasada temporada, pero lo cierto es que lo suyo huele a premio de consolación para los ingleses. Por mucho que cuente con menos de 12 capítulos por entrega, la coproducción de la ITV y la PBS tiene prevista su continuación en nuevas temporadas. Resultado: Mildred Pierce, la miniserie objetivamente mejor escrita, dirigida e interpretada, se ha ido con las manos vacías.

Cinema Verité
Downton Abbey
The Kennedys
Mildred Pierce
The Pillars of the Earth
Too Big to Fail

El resto de premiados, aquí.

True Blood, borrón y cuenta nueva

2011-09-15T04:31:00.001+02:00

SPOILERS de la cuarta temporada de True Blood

"El cambio es duro". Palabras de la mismísima Antonia Gavilán de Logroño… Y es que no diréis que no ha sido larguísima la espera hasta que Alan Ball se ha decidido a dar una vuelta de tuerca espiritual a la cuarta de True Blood. Si ha merecido la pena o no es harina de otro costal... Porque recordaréis que, a su vuelta del país de las hadas (parece de coña, pero no), a Sookie se le cayeron los palos del sombrajo, como a todos nosotros, viendo el rumbo que habían tomado los acontecimientos vampíricos sólo un cuarto de hora después. Entonces llegó And when I die, metió la quinta y se dejó de piruetas argumentales y cliffhangers a lo tonto para hacer un poco de caso a eso que algunos llaman personajes (y cepillándose a los primeros que encuentra) y que había perdido a mitad de la temporada pasada.

Russell Edgington me dejó sin apetito de Bon Temps a mediados de la tercera entrega de la serie, un punto en el que Sookie y Bill habían dejado clara su incapacidad de seguir siendo adorables una temporada más y su carga empezó a recaer en unos secundarios al borde de la histeria; que tire la primera piedra a quien Tara no le saque de quicio. La cuarta etapa de True Blood decidió tirar por el mismo camino: se olvidó de los protagonistas y optó por dar importancia a ciertas tramas de relleno que son abandonadas a la mitad: ¿no acabó la relación entre Paquin y Moyer de forma demasiado sorpresiva? ¿Qué reflejo posterior tiene el encuentro entre Sookie y su abuelo? ¿Qué ha sido de Crystal y compañía? ¿Qué aporta el conflicto entre Sam y Tommy, y la muerte de éste?

Ante tal panorama, y habiendo visto ya que no se le pueden pedir peras al olmo, la season finale reflota la serie en uno de sus capítulos más maduros y simbólicos ever como premio de consolación por haber aguantado los desvaríos de Ball hasta el agotamiento de la fórmula. Una noche de Halloween muy bien traída rescata el aura trágica de los inicios para ayudar a los personajes a entender su soledad ("al final, todos estamos solos", confía el fantasma de Adele a Sookie momentos antes de que ésta decida continuar su camino sin los dos maromos); a resignarse a la condena personal (Sam se une a Luna sabiendo que “la vida es violenta y cruel por naturaleza”, Jason y Jessica aceptan su separación “momentánea”); y a afrontar alguna que otra dura despedida… Dejo para otra el post en el que me pregunto por qué sigo viéndola. True Blood ha vuelto a conquistarme.

Mildred Pierce, perfecta y televisiva

2011-09-13T16:53:00.000+02:00

Decir que Mildred Pierce es puro cine es mentira. Sí podemos decir que la miniserie de la HBO le debe más a lo cinematográfico que a lo catódico, pero es innegable que Mildred Pierce es pura televisión. Los principales atractivos del proyecto (véase la inversión en el proceso de producción o el estar dirigida por un cineasta y protagonizada por una actriz de campeonato pero novata en la pequeña pantalla) parecen haber hecho olvidar a muchos lo televisivo del invento. Mildred Pierce es considerada poco menos que una intrusa en el medio y desmerecida en su primer puesto de nominaciones Emmy. Y nada más lejos de la realidad; su perfecta ejecución formal y argumental o la brillantez del equipo artístico no deberían ser considerados como factores que la acerquen a las vicisitudes de cualquier ficción cinematográfica, sino razones que realmente la consagren como un ejemplo especialmente magistral de televisión de calidad.

Ya se sabe que las apariencias engañan… y en Mildred Pierce poco hay más aparente que Kate Winslet ante las cámaras y la mano de Todd Haynes detrás de éstas. No por ello han sido deslegitimadas The Walking Dead, con Darabont como padre, o Boardwalk Empire, con Scorsese como padrino. La calidad de Mildred Pierce como producto televisivo depende tanto de su materia prima como de las posibilidades que la HBO ofrece; podríamos decir que cualquier realizador con el talento de Haynes y el dinero del que éste dispuso estaría en las mismas. Y si es por su duración, Mildred Pierce no sería más perfecta como animal catódico fuera de sus cinco capítulos. Puede que gracias a su menor duración (o, si se quiere, a su mayor conclusividad por capítulo) sea más disfrutable y vistosa, pero no por ello menos arriesgada o profunda.

Y es que lo de meterse con Mildred Pierce es como criticar a los que tienen pasta para cenar en el Vips mientras tú lo haces en el Macdonalds. Juega en una liga diferente, y demuestra que la tele no tiene nada que envidiar al cine haciendo un perfecto uso de los recursos a su disposición. Lo que sí es cierto es que Todd Haynes se enorgullece de dónde viene (el cine) y de la manera en que sabe hacer las cosas (el melodrama cinematográfico). Haynes, considerado resucitador del melodrama clásico gracias a Lejos del cielo, vuelve a sacar los bártulos emocionales y formales para actualizar el reverso televisivo del género, malogrado por el culebrón y la soap-opera, en una nueva versión de la novela de James M. Cain. Y eso que Michael Curtiz y Joan Crawford ya dejaron bien alto el listón en su versión de 1945…

Todd Haynes no utiliza la coartada melodramática sólo para complacer al incondicional del género (la estructura del rise and fall femenino parece hecha a medida para Douglas Sirk; el opening de la miniserie, con tartas de por medio, recuerda al relato protagonizado por Julianne Moore en Las horas, otro melodrama a lo siglo XXI). La Mildred Pierce televisiva está hecha para ser un reflejo mejorado del Alma en suplicio de Curtiz, que peca de facilona, tramposa y conservadora. Haynes y compañía perfeccionan en cinco capítulos la relación Pierce-Veda y actualizan lo políticamente decible en un melodrama (véase la ambición profesional de la protagonista o las escenas de sexo), sustituyendo el clásico castigo a la mujer trabajadora por el sacrificio de Mildred ante su familia… Una patada al diccionario melodramático directa a televisión, vamos.

Sleepers: Romola Garai

2011-09-09T16:35:00.000+02:00

¡Qué fácil parece reivindicar a Romola Garai como uno de los bombazos televisivos del último año! Y no valen excusas; liderar los dos proyectos más arriesgados a la vanguardia de la factoría catódica de la BBC (y eso que la BBC ya es de por sí televisión de vanguardia) y hacerlo de matrícula de honor no es motivo para desmerecer el trabajo de toda una década. The Crimson Petal and the White y The Hour son sólo la guinda de su pastel laboral. De Garai dice François Ozon que es su musa; The Observer, que encarna la diferencia entre superactuar y sobreactuar; y ella, cuando le preguntan, dice que “Hollywood seguía ahí la última vez que miró”. Y es que esta chica juega en una liga claramente superior a las demás; Romola Garai se merece un Sleepers como Dios manda.

Lo de esta actriz de familia judía, padres británicos, nacida en Hong Kong y criada en Singapur (what the fuck!) sí es la televisión. El salto profesional de Romola una vez que sus padres se dignaron a hacer aparición por el Reino Unido vino de la mano de BBC y HBO, en la aclamada The Last of the Blonde Bombshells (2000), interpretando al personaje de Judi Dench en la juventud. Con 18 añitos, decidió que lo suyo era dejar a las demás del casting a la altura del betún: “Cuando era pequeña, siempre quería divertir y complacer a mi familia. ¿Y cómo no? No puedes ser actor si no deseas experimentar tus emociones en público”. Gracias a Nicholas Nickleby (2002), su primer papel cinematográfico, fue elegida por la BIFA como la actriz más prometedora del año. Qué ojo tiene esta chica.

Aun así, un patinazo lo tiene cualquiera; Romola Garai recibió las primeras críticas tibias por Dirty Dancing 2: Havana Nights (aunque haya muerto cinematográficamente, hacer sombra a Jennifer Grey es complicado) y La feria de las vanidades, su debut yanqui. Reconoce que “fue un error ser calculadora con su carrera, creyendo que debía hacer determinadas cosas para llegar más lejos; fue creativamente frustrante”. Sus trabajos a partir de 2005 le permitieron poner buena cara al mainstream, y de qué manera: François Ozon la eligió para Angel, una Scarlett O´Hara a la francesa con la que Garai dejó en enaguas a Vivien Leigh, y Joe Wright la quiso para la Elizabeth Bennet de Orgullo y prejuicio, aunque finalmente le concedió el papel más jugoso de Expiación, Briony Tallis.

La carrera más reciente de Romola Garai parece un intento constante de sacudirse el desencanto del blockbuster: “A veces lo hago bien en términos de lo que a la gente le gusta y otras lo hago mal en términos de lo que a la gente no le gusta, pero siempre intento hacer aquello que me permite mejorar como actriz”. Y es que ella se siente más cómoda en los retos de teatro británico (interpretó a Cordelia de El rey Lear por toda Europa en 2008), cine independiente (apareció en Glorius 39 al lado de Julie Christie y Christopher Lee) y televisión (su premiadísima actuación en la adaptación de Emma), trabajos que le permiten una penetración lenta pero de calidad en la industria audiovisual, y en el imaginario de la gente. Porque ya la conocíamos antes de saberlo... Pueden ir Meryl Streep y Kate Winslet haciendo hueco en el podio, que llega Romola Garai.

De regresos y ansiedades otoñales

2011-09-07T13:47:00.000+02:00

Los nuevos capítulos de Sons of Anarchy inaguraron anoche la temporada otoñal como señora mayor que irrumpe en El Corte Inglés el primer día de rebajas… Ver a los niños en su operación vuelta al cole es enternecedor, pero no negaréis lo emocionante de ser freak televisivo cuando se acercan las últimas noches de verano en que hay que sacar la rebeca del armario. Y es que el septiembre recién estrenado mola simplemente por el retorno a la parrilla estadounidense de The Good Wife y Fringe (que quedan fuera del repaso por merecer un post propio como las premiere estrella del inicio de la season)… Pero a la espera de los espectaculares estrenos posvacacionales y las reincorporaciones navideñas de mitad de temporada, El Club Silencio apuesta por otros regresos otoñales con mucha tela que cortar.

Boardwalk Empire y demás HBO

Ver cómo Steve Buscemi es apuñalado por la espalda por sus amigos mafiosos del paseo marítimo es uno de los principales reclamos de la nueva temporada catódica. Tras un estreno que, in my opinion, no cumplió las expectativas de un piloto dirigido por Martin Scorsese, Boardwalk Empire acabó conquistándonos en el camino a la redención de Nucky Thompson. La premiere de Boardwalk Empire, programada para el 25 de septiembre, es el pistoletazo de salida para los regresos de la HBO: How to make it in America, casi olvidada por su demorada vuelta, Hung (ambas el 2 de octubre), y Bored to death (10 de octubre).

The Walking Dead

Los zombies de la AMC se hacen de rogar sea la temporada que sea. La primera entrega de The Walking Dead sorprendió por seis capítulos que supieron a poco y dejaron la temporada, ya de por sí mediocre e irregular, a falta de un cierre coherente con trama y personajes. La premiere de la segunda temporada, programada para el 16 de octubre, no sólo se enfrenta a un cambio de equipo de guionistas y la ausencia de Frank Darabont; la cadena de Mad Men nos la vuelve a jugar emitiendo un capítulo doble de The Walking Dead que no será continuado hasta febrero. Tanto suspense a costa de la lógica interna de la propia ficción, la enésima cagada de la AMC.

The Vampire Diaries y la CW

Los de Mystic Falls no serán los pioneros, ni en chupar sangre ni en enseñar carnaza, pero parece que le están comiendo terreno vampiro a Sookie y compañía. Aunque The Vampire Diaries, que vuelve de vacaciones el 15 de septiembre, fue juzgada en sus comienzos por atraer la mitología vampírica a la órbita teen de la CW (los descendientes de Drácula son muy de la alta cultura), su segunda temporada convenció a los no tan adolescentes en su perfecta mezcla entre la soap-opera y la atmósfera trágica-terrorífica. CW recupera para otoño 90210 y la quinta temporada de Gossip Girl (13 y 26 de septiembre).

Procedimentales, comedias y gente pesada

Unos más que otros, pero los que vemos la tele somos gente de costumbres… Unos son de sitcoms (Modern family y The Middle para el 21 de septiembre, Parks & Recreations y The Office para el 22), otros de médicos (Anatomía de Grey regresa el 22 de septiembre y House el 3 de octubre), y otros de policías (Castle vuelve el 19 de septiembre, Body of Proof el 20 y Bones el 3 de noviembre). Y luego los hay de otra pasta; los que siguen viendo Glee. Los de McKinley han pasado de ser los más entrañables del instituto a querer ser los más cool, aunque para eso ya tengamos a Avril Lavigne. Rachel y los demás del coro vuelven el 20 de septiembre a la FOX para no defraudar expectativas.

Downton Abbey y Misfits

Parece que las ficciones inglesas son las hermanas feas de la familia… Suelen faltar en casi todos los calendarios seriéfilos, y eso que acaban siendo las más agradecidas; mucho más recién finalizado un curso con matrículas de honor como The Crimson Petal and The White, The Shadow Line (ambas miniseries concluidas), Silk (prevista para comienzos del próximo año) y The Hour (para la que aun hay que esperar muchos meses). Los regresos otoñales más esperados: Downton Abbey (18 de septiembre), que asume nuevos retos en lo que parece una temporada mucho más desafiante y dramática, y Misfits (11 de noviembre), que afronta en la tercera temporada la ausencia de Robert Seehan en el personaje de Nathan.

The Hour, la BBC sobre la BBC

2011-09-05T16:47:00.000+02:00

SPOILERS de la primera temporada de The Hour

Los chicos de la BBC no se creen eso de que la sinceridad está sobrevalorada. Incluso para decir que la verdad no es tan importante como parece, los de la cadena pública británica cogen el toro por los cuernos. Y es que ni Mad Men ni Rubicon; The Hour es puro Todos los hombres del presidente y State of Play a lo televisivo. Y mucho más valiente es la tarea cuando se trata de destapar las luces y las sombras históricas de tus propios jefes. Que no despisten ni el macguffin político ni el macguffin retro, que ahora se lleva mucho (la sombra de Weiner es alargada); The Hour es una serie no tan clásica sobre periodistas enfrentados al poder, a las instituciones que les dan de comer, y a las consecuencias de la verdad sobre ellos mismos, que es mucho más posmoderno. La BBC utiliza The Hour para hablar de la BBC, y presumiendo de estatutos a lo Hormigas Blancas, destapa hasta lo menos políticamente correcto. Así sí que se trabaja a gusto.

Pero por algo dicen los maestros que la forma es también el contenido; entrecomillo aquí que The Hour no es ni Mad Men ni Rubicon. Es cierto que Abi Morgan, creadora de la serie británica, es especialmente acertada en echar mano de la trama conspiranoica a lo seventies y del contexto sociocultural de los años 50 para hablar de la impunidad en la corrupción del poder político y el inmovilismo instalado hasta en los medios de comunicación más modernos. Referencias genéricas como la extraña relación entre el suicidio de una joven y el misterio escondido tras un crucigrama de periódico; el triángulo emocional entre Bel, Hector y su mujer; o las dinámicas de poder entre el gobierno del Primer Ministro y la propia BBC (en las que las mujeres salen claramente perdiendo), son imprescindibles en la dramatización de una historia sobre investigación periodística en la que las convenciones sociales y políticas están muy presentes.

Tal combinación de fórmulas es precisamente lo que hace The Hour especial dentro de las ficciones sobre los logros del periodismo. The Hour evita caer en el idealismo clásico respecto a la figura del periodista y relativiza la importancia de su labor en momentos en que ser imparcial puede no ser lo más correcto. El último capítulo difícilmente podría echar más balones fuera cuando se le pregunta sobre la integridad: Clarence da luz verde a las trampas de Bel para difamar al gobierno, Hector abandona la emisión a fin de no significarse políticamente, y Freddie consigue cargarse el programa al destapar lo que se oculta tras el asesinato de su amiga Ruth. The Hour legitima la televisión como herramienta contra-política, reflexiona sobre la difusión de la verdad que puede llevar a la prohibición y a la censura y plantea la defensa del juego sucio cuando jugar limpio no sirve de nada. ¿Querrán decirnos algo sobre la BBC?

La imposibilidad del relato televisivo

2011-09-02T10:00:00.009+02:00

En la escena inicial de The Killing, la inspectora Sarah Linden, en su carrera matinal, encuentra el cadáver de un animal a orillas del lago. Blanco y en botella. Y es que aunque la primera parte del piloto se empeñe en hacernos creer que Rosie Larsen puede estar viva, no hay que ser muy listo para darse cuenta de que la chica está muerta desde el primer minuto. Las promos previas al estreno, en abril el de la AMC y anoche en Fox Crime, muestran el cuerpo muerto de Rosie mientras es amortajada; y el título de la serie es un tanto significativo (modo irónico on). El descubrimiento matutino de Linden es una broma macabra de The Killing, y no porque sea un drama más cruel o menos honesto que otros, ojo, sino porque al thriller de la AMC le encanta jugar con las expectativas. The Killing tiene un enorme respeto por los personajes, la niña entre ellos, y esto no le prohíbe ser fascinantemente tramposa.

El cadáver de Laura Palmer fue encontrado en los primeros planos de Twin Peaks. Y no lo digo porque la de David Lynch sea menos cruel o más honesta (en absoluto), sino por mencionar sólo una de las miles diferencias entre ésta y The Killing. Porque series en las que el desencadenante es un asesinato no hay sólo dos, y los que hayan podido ver ambas ficciones sabrán que Twin Peaks y The Killing se separan en el momento en que la primera se convierte en un relato oscurísimo y perturbador sobre el mal escondido tras lo cotidiano, y la segunda gana enteros como un drama sobre la descomposición de la realidad actual y su conversión en narrativa televisiva. Bien pensado, pueden funcionar como homólogas en la distancia, una como reflejo contemporáneo de la otra si acaso.

Me la jugaré hablando de The Killing como una versión televisiva nada gratuita de Zodiac. Esa primera escena, además de un guiño muy negro a las expectativas de un primer capítulo, es toda una declaración de intenciones; la muerte de Rosie es el catalizador de la destrucción de los Larsen, de Sarah Linden y Darren Richmond, por mencionar sólo los damnificados principales. El nuevo caso les conducirá de lo diario a una sucesión más caprichosa que caótica de móviles criminales y sospechosos. ¿Y si nos planteáramos que lo que parece un desarrollo incoherente y mentiroso sobre la muerte de la chica y sus consecuencias es un ensayo sobre la incapacidad de entender crímenes tan atroces como el de Rosie y la imposibilidad de plasmarlo en un relato televisivo? Yo apuesto por la vertiente Fincher de The Killing; es tan inexplicable y real como el brutal asesinato de una niña de 17 años.

'El pasado es un lugar solitario'

2011-08-31T18:12:00.000+02:00

The Shadow Line es una segunda oportunidad. Y es curioso que una serie a medio camino entre El padrino, Fargo, Rubicon y Crematorio pueda hablar de algo tan esperanzador como dar carpetazo al pasado. A lo mejor es porque la oscuridad insondable de lo nuevo de la BBC Two nos impide aventurar si esa oportunidad será concedida o no… Y es que ya se sabe que la tele inglesa es única en esto de darle la vuelta a lo convencional catódico sin sacrificar el entretenimiento (no confundir esto con la presencia de un Fiti local en cada una de sus producciones); en esta ocasión, nuevo primer premio para el know how británico en el ámbito del género televisivo. Después de revisionar el melodrama literario con el The Crimson Petal and the White de Faber e inyectar al drama familiar la adrenalina del thriller en Exile, la BBC regala un estudio magistral de los grises que separan el bien y el mal catódico; The Shadow Line es puro noir.

El hecho de que el villano de la serie vista gabardina y sombrero es sólo una de las referencias al género negro que Hugo Blick, realizador a cargo del proyecto, consagra en The Shadow Line. De El sueño eterno a L.A. Confidential pasando por Chinatown nos ha quedado claro que hacer borrón y cuenta nueva no es tan fácil si tenemos algún que otro cadáver en el maletero. Que se lo digan al inspector Jonah Gabriel (Chiwetel Ejiofor), a quien la amnesia tras un intento de homicidio le permite empezar de cero a costa de sacrificar el pasado, o a Joseph Bede (Christopher Eccleston), capo en funciones que busca un nuevo comienzo a la espera de la muerte de su mujer enferma. La cuestión es que abandonar la línea de sombra y decidirse por uno de los bandos crea enemigos irremediablemente; la transformación completa requiere sacrificio.

Y aquí llega el aviso para los puristas del noir; The Shadow Line es de todo menos clásico. La evolución de los géneros está en manos de aquellos que se atreven a violentar sus límites y buscan su reflejo en lo contemporáneo, y a este respecto podemos afirmar que Blick es genuina autoría televisiva. El creador de The Shadow Line explora de manera episódica lo más oscuro de las instituciones británicas, sometiendo a los protagonistas a situaciones límite que rescatan para la tele lo mejor de Coppola, los Coen y Tarantino (magistral reencuentro el de la tienda de relojes). El colorido grisáceo y sangriento de Blick sustituye el maniqueo contraste entre el blanco y el negro del noir convencional; la línea que separa el bien y el mal es mucho más caprichosa en la actualidad. La decisión final de uno de los personajes será la que niegue o conceda una segunda oportunidad a todos los demás… Por algo se dice que el infierno está lleno de buenas intenciones.

Fringe y The Good Wife; más y mejor

2011-08-26T00:38:00.000+02:00

Fringe y The Good Wife son mi debilidad. Y aunque a veces me ciegue mi amor incondicional hacia determinados productos televisivos (vaya por delante que fui fan de Cinco en familia y Motivos personales), me congratulo en mi buen criterio cuando se me ponen los pelos de punta con Olivia Dunham y Alicia Florrick. Y es que ambas tienen en común más de lo que parece, y no hablo sólo de provocar ataques de freakismo extremo ante su regreso otoñal. Además de tener un planteamiento sencillo pero muy novedoso, un desarrollo lento y muy sólido, y dar el pelotazo argumental y formal en sus respectivas últimas temporadas, son las series con la defensa más potente y efectiva entre su nicho de audiencia y las más aclamadas por la crítica televisiva durante el pasado año. Y la cosa no queda ahí: Fringe y The Good Wife son la vanguardia catódica actual y marcan el paso de la nueva ficción televisiva. No me diréis que no tengo visión de futuro…

Si hay una excusa perfecta para afrontar de buena gana el final del verano es saber qué coño ha sido de Peter Bishop. La tercera entrega de Fringe fue su consagración como paradigma contemporáneo de la ciencia-ficción televisiva, y regresa a la parrilla de Fox el 23 de septiembre en una de las premiere estrella de la temporada. Aunque no podemos negar los antecedentes que llevan a ella (desde Expediente X a Lost pasando por Alias), y teniendo en cuenta que la sombra de J. J. Abrams es alargada, sí podemos afirmar que la serie ha logrado sacudirse el sambenito de artefacto vacío a base de solidez en el desarrollo de tramas y en la coherencia de personajes. Fringe no se sube al carro del apocalipsis terrorista; exprime las convenciones de lo paranormal para actualizar lo que sabemos de destino, identidad y amor. Una tragedia que ya les gustaría a los griegos, vamos.

Decir que un procedimental de abogados se ha convertido en La red social de la tele parece de coña, pero los que la hemos visto en pañales podemos dar fe de su estirón de infarto. La segunda temporada de The Good Wife fue el baile de fin de curso de Alicia Florrick; la esposa del fiscal nos hizo ojitos en los primeros capítulos hasta conseguir que la animáramos a echar una canita al aire con su jefe. El drama legal del matrimonio King, con su sincero y adictivo tono de soap-opera por delante, ha revolucionado el tribunal mostrando las horas más bajas de la justicia y la política yanqui, con mucha Blackberry y mucho Facebook de fondo. El 25 de septiembre The Good Wife salta a los domingos de la CBS; queremos más carnaza, y mejor… sobre todo después de haber visto a la susodicha en lencería.

Vacaciones en serie (III)

2011-08-22T10:00:00.082+02:00

Se acerca el final del verano. Y aunque dicen por ahí que las vacaciones en septiembre son las que más molan, no me diréis que pasar dos semanas en Torrevieja resguardándote de la lluvia no es de coña. Así que afrontemos que, además de ser lunes, queda una semana oficial de verano con la última entrega del especial vacacional de El Club Silencio; si has tenido un agosto de mierda, toma ideas para el año que viene, y si lloras pensando en la operación retorno, verás que no es para tanto. Vacaciones para todos los gustos, vamos.

Fringe, vacaciones sufridas

Hay quien se va de vacaciones a pasarlo putas, que se dice. Olivia Dunham sí que vino del Nueva York over there (para el que no haya ido, se adjunta foto abajo) más cabreada que una mona. Después de que sus compañeros la dejaran tirada en las mazmorras de Walternate y de que consiguiera sobreponerse a su problema de bipolaridad inducida, Olivia vuelve a su dimensión natal y descubre que su gemela mala le ha quitado el novio. El viaje de la prota de Fringe fue uno de los grandes giros ideado por el equipo de guionistas para enfrentar al personaje con un conflicto identitario del que se fueron dando pistas temporada tras temporada. Tras vencer al equipo de evilWalter, Olivia se da cuenta de que la solución pasa por aprender a perdonar y a superar tus miedos… Y es que no todo en esta vida son chutes de Cortexiphan; hasta Olivia puede tener problemas de autoestima.

California Dreams, lo bueno de vivir en Benidorm

Los más afortunados son aquellos que viven cerca de la orillita del mar y pueden dedicar todo el verano a tostarse al sol. Y vale que tener tu residencia habitual en Benidorm no sea de lo más elegante, pero vivir en Santa Mónica sí tiene que molar. Si no que se lo digan a los chicos de California Dreams, que, en vez de dedicar las vacaciones a hacer abdominales para lucirse en la playa (ellos ya venían así de fábrica), estaban tarde sí y tarde también aporreando la batería en el garaje de un amigo. Balconing y sand tunnel son divertimentos del siglo XXI; los adolescentes de los noventa se conformaban con cualquier tontería, como la música. California Dreams era mala a morir, pero la recordamos con cariño por aquellas mañanas vacacionales baticao en mano.

Carrie Bradshaw se va de series finale

El viaje de Sarah Jessica Parker a París estaba planeado más como excedencia que como vacaciones... Cuando parecía que había superado su relación con Mr. Big y encontrado la estabilidad con el artista ruso, lo que parecía el partido perfecto acaba saliendo rana. La prota de Sexo en Nueva York deja todo atrás, amigas salidorras incluido, para fugarse a la capital francesa… Y no diréis que no es el sitio más apropiado para encontrar al maromo de tu vida. Sin embargo, Carrie Bradshaw y compañía le dan la vuelta al destino romántico por excelencia y encuentran la receta ideal de la serie en el capítulo de despedida; París simboliza la expectativa del amor y la decepción que éste supone a veces. Aun así, a Carrie se le concede una nueva oportunidad… Ya se sabe que los amores reñidos son los más queridos.

Los vigilantes de la playa, verano en el curro

Si hay una serie veraniega legendaria, es Los vigilantes de la playa; y no porque sus protagonistas se pasaran capítulo tras capitulo luciendo pectoral y biquini por encima de la cintura, sino por las mañanas y tardes vacacionales que nosotros pasábamos viendo a David Hasselhoff y Pamela Anderson flotador en mano. Y es que, no nos engañemos, trabajar en verano no es lo mismo si lo haces “tomando bronce” de cara al horizonte playero californiano. Eso sí, por muy ideal que parezca, los chicos de Los vigilantes de la playa se empeñaban en recordarnos lo peligroso que puede ser el paseo marítimo, y lo capaces que son ellos de arreglar cualquier desaguisado (salvar al bañista jubilado o pillar a una banda de camellos despistados). ¿Capítulo por excelencia? La muerte de Stephanie Holden. Puede que ahora nos riamos recordándola, pero estoy seguro de que hay pocas series tan inolvidables como ésta.

Urgencias, vacaciones de despedida

No me equivoco al decir que a los seguidores fieles de Urgencias se les pondrá un nudo en la garganta al recordar el adiós vacacional de Mark Greene, protagonista de la serie hasta la octava temporada. Tras sufrir la reaparición de un tumor cerebral aparentemente inoperable, Greene se lía la manta a la cabeza y decide hacer un viaje final a Hawai, donde veraneaba durante su infancia. El enclave paradisíaco no podría ser más simbólico; es el lugar elegido por el personaje que interpreta Anthony Edwards para hacer las paces con su hija adolescente, animándola a ser fuerte en su ausencia. Será la misma luz brillante de la isla la que ilumine el momento de su muerte. No hay mejor forma de finalizar el especial veraniego de El Club Silencio; On the beach parece el capítulo perfecto para una despedida. Pero ésta con regreso, ojo.

Sleepers: Rose Byrne

2011-08-19T13:05:00.000+02:00

Rose Byrne es la protagonista del primer Sleepers de El Club Silencio, dedicados a aquellos actores y actrices seriéfilos infravalorados que tienen un huequecito en mi corazón por méritos propios… Y ella lo es con todas las de la ley. Y es que estoy harto de oírlo: Rose Byrne no es una joven promesa. Rose Byrne es una actriz de tele y cine consagrada, y no porque lleve décadas en el negocio con decenas de proyectos detrás, sino porque lo poco que ha hecho ha sido impecable, con el reconocimiento de la crítica out of mainstream y algún premio gordo que ya quisieran muchas veteranas… Y haberse cepillado cinematográficamente a Brad Pitt también es algo que a muchas les molaría decir. Pues sí, Rose lo ha hecho, envidiosas.

2011 ha sido su año más blockbuster: X-Men: Primera generación, Insidious y La boda de mi mejor amiga. Y aunque gracias a esto podemos verla en portada día sí y día también, Byrne es muy consciente de lo que le debe a la parte menos visible del audiovisual; véase la tele y el cine indie: “me veo más como una actriz con personalidad que como famosa”. Y es que esta australiana de 32 años lleva más de 15 delante de una cámara; en 1994, en plena adolescencia, debutó en Dallas Doll, producida en su país natal, y participó en varios proyectos televisivos (sí, la mitiquísima Los rompecorazones) años antes de protagonizar The Goddess of 1967 (en España La diosa del asfalto), gracias a la que se agenció la Copa Volpi a la mejor actriz de Venecia 2000. Con 21 añitos, que se dice pronto.

Quién le iba a decir a esta pequeña de cuatro hermanos criada en un barrio humilde de Sidney que, además, Lucas la ficharía para Star Wars: El ataque de los clones. Y pese a que posteriormente se ha mantenido a la sombra de actrices como Natalie Portman, Keira Knightley o Diane Kruger, Byrne se ha manifestado siempre afortunada de tener un guión entre manos: “Ser una actriz en activo es increíble, porque el 99 por ciento de los actores está fuera del sistema. Conozco a mucha gente con talento, mejores actores que yo que no han tenido su oportunidad”. Aun así, es innegable que Rose ha sabido aprovechar al máximo sus modestos papeles bajo la tutela de Petersen (Troya), Coppola (María Antonieta) o Boyle (Sunshine).

Pero más allá de festivales y taquillazos cinéfilos, Rose Byrne debe a Damages una de sus mejores interpretaciones y el respaldo de la crítica en nominaciones varias a Emmy y Globos de Oro; además de nuestro amor incondicional, por supuesto. Y aunque no es su primer proyecto televisivo importante (trabajar en una miniserie de época de la BBC como Casanova es todo un trampolín, y si no que se lo digan a Romola Garai), es Ellen Parsons quien nos permite disfrutar semanalmente de la australiana. Y es que parece que a Rose no le importa lo más mínimo llevar cuatro temporadas a la sombra de Patty Hewes… Sólo una actriz experta y entregada como ella sería capaz de empatarle el pulso interpretativo a la mismísima Glenn Close.

Treme, muerte y resurrección

2011-08-17T12:41:00.000+02:00

Treme es, además de música, muerte. El primer capítulo de la serie comienza con un desfile de música, y el último de la primera temporada acaba con un entierro. Muerte y música se entrelazan en los diez capítulos iniciales de Treme; toda muerte tiene un tributo de trompeta y saxofón, que parece querer poner a mal tiempo buena música. Así acaba el demorado entierro de David, en que vemos a Ladonna, de negro, bailar y sonreír por fin al son de la música tras despedirse definitivamente de su hermano. Y es que en Treme, la muerte no es del todo negativa, la muerte es un comienzo, al igual que hay que celebrar el entierro de la antigua Nueva Orleans tras el paso de Katrina y saludar el lento nacimiento de la nueva, aunque no disten mucho una de otra. Treme es un Mardi Gras a lo grande.

En la nueva Nueva Orleans, el día de Todos los Santos también puede ser una fiesta. Así comienza la segunda temporada de Treme, de la misma manera agridulce; su primera escena es toda una declaración de intenciones. Un montaje paralelo muestra la visita de los protagonistas a sus familiares fallecidos en el cementerio, en simbólica fecha, con el fondo de acordes de un niño negro que aprende a tocar la trompeta, y a Toni Bernette intentando comenzar de nuevo, al igual que la propia ciudad, tras el suicidio de su marido. La muerte es una intro musical para el resto de capítulos; Batiste conecta el mp3 a un músico moribundo; Annie y otros compañeros tocan días después de que un músico local fuera disparado en la cabeza… “Cariño, la vida es corta. Toquemos una canción”.

Pero primero, antes de esto, Accentuate the positive como season premiere, para que no se olvide. Y de la mano de los más grandes, porque Simon y compañía quieren una despedida y un nuevo principio a la altura de los supervivientes de Treme. En la primera escena de la segunda temporada hay el comienzo y la inocencia de Truffaut, en los planos secuencia que retratan al niño músico en su paseo alrededor del cementerio como si fuera Antoine Doinel en la playa de Los cuatrocientos golpes; y hay la madurez de Resnais en El año pasado en Marienbad, y de Wong Kar-wai en Deseando amar en los travelling que se recrean en los mausoleos de Nueva Orleans, en reverencia al recuerdo que dejan los fallecidos a las generaciones posteriores. Muerte y resurrección; adiós y hola de nuevo en Treme.

Vacaciones en serie (II)

2011-08-14T22:00:00.139+02:00

Los Ángeles, Hawai, México o Gandía. El lugar da igual. Y es que en las series, el que pone el destino vacacional es el personaje. Así como el Nueva York de Patty Hewes es completamente distinto al Nueva York de los chicos de How to make it in America, es el protagonista el que determina el sentido del espacio dramático, también en épocas de asueto. Una isla paradisíaca y natural puede llegar a ser totalmente opresiva y una ciudad costera, símbolo de alegría y juventud, precisamente por ello, puede estar cargada de nostalgia… La segunda parte del especial veraniego de El Club Silencio descubre un poco más de lo que los personajes nos ocultan en la jornada laboral, y rememora algunos de los episodios vacacionales con más miga.

Lost, vacaciones forzosas

Para vacaciones como Dios manda, Lost; de seis temporadas, que se dice pronto. Y no precisamente porque ellos quisieran, sino porque se les complicó pillar el vuelo de regreso. Paradójicamente, Lost también cumple con el tópico del enclave paradisíaco, pues tanto de malo tiene la Isla como de bueno. Y es que es el sitio perfecto para que un médico huérfano, una hijastra en contra de la violencia doméstica, un timador con trauma infantil, un matrimonio peleado y otros tantos puedan empezar de cero. Aunque acabara resultando un enorme desagüe, la Isla fue la clave para que los protas descubrieran de una vez por todas su lugar en el mundo. Ya les gustaría a muchas madres poder decir eso de sus hijos.

Vacaciones de (Cinco en) familia

Sí, Cinco en familia son mis horas más bajas. Pero he de reconocer que Neve Campbell y Jennifer Love Hewitt pueden conmigo... Puede que sea una de las series más católicas, conservadoras y ñoñas de la tele, pero no me negaréis que Cinco en familia es uno de los retoños más resultones de la soap-opera noventera. Y como no podía ser de otra manera, tiene capítulo vacacional: Grandes desilusiones. Charlie (Matthew Fox realmente existía antes de Lost) y Claudia (apunto que Lacey Chabert es la única niña catódica que no se me atraganta) se van de vacaciones a México para arreglar ciertos desaguisados familiares; véase tener un hermano alcohólico y una hermana que se casa con 17 años. Para no variar, no lo consiguen.

Don Draper en bañador no es cosa de risa

De hecho, los capítulos en que el prota de Mad Men se toma días de asuntos propios para visitar Los Ángeles son prácticamente hitos televisivos. Ambos. Los pequeños flashes que Mad Men nos fue mostrando acerca del pasado de Don durante la segunda temporada culminan en El rey de la montaña. Draper viaja a la costa oeste para visitar a Anna, esposa del militar cuya identidad usurpó en Corea; la presencia de la única persona que realmente conoce los secretos de Don nos permite descubrirle en toda su integridad. La muerte de su amiga a finales de la cuarta temporada, tras una nueva visita de Don, dio a Mad Men La maleta, uno de los mejores episodios de la serie, y sirvió al personaje como detonante del sorpresivo desenlace de la season finale. De libro.

Sookie, de año sabático

Ellos pensaban que estaba muerta, pero no. Y tampoco estaba de parranda. A Sookie Stackhouse se le alargaron los quince minutos en Fairy States y cuando se quiso dar cuenta se había quedado compuesta y sin novio vampiro, y su mejor amiga se había pasado a la acera de enfrente. Por muy surrealista que sea True Blood a veces, hay que reconocer que Charlaine Harris no se quedó calva con esta “licencia” literaria. Aunque a los chicos de Allan Ball les ha venido de perlas la broma para hacer evolucionar cierto estancamiento de la serie... No sé por qué ahora me viene a la cabeza aquel momentazo de Dallas en que la muerte de uno de sus personajes resulta ser el sueño de su esposa en la ficción capítulos después (what the fuck!) … ¿O era Los Serrano? Parece que también hay vacaciones tramposas…

Compañeros, viaje de fin de curso

Vacaciones mítiquísimas, las de los chicos de Compañeros recién acabada la selectividad. Aquel episodio supuso tanto el final de la serie como el de la generación de los que crecimos viéndola. Puede que estuviera repleta de lugares televisivos comunes sobre la adolescencia, pero es innegable que Compañeros marcó el camino de la ficción teenager en nuestro país, retomada por otras, Física o Química a la cabeza, para los que vinieron detrás... Y es innegable también que Siempre, continuado por No te fallaré, fue un capitulazo; el grupo de Quimi y Valle se suelta de la mano de padres y profesores y encaran el paso a la madurez, que se les echa encima con el accidente que deja inválido a César. Fin de curso, fin de serie y fin de generación (se adjunta última escena y todo). Mejor imposible.

Y así fue que Jackie se despidió por todo lo alto

2011-08-11T20:22:00.001+02:00

Ya hace casi dos meses que Jackie Peyton se despidió hasta la próxima, pero no puedo dejar de pensar en ella. Y es que sólo quince minutos bastaron para que me volviera a enamorar. Y, como siempre, lo ha hecho por los pelos, aunque se ve que la enfermera de Showtime es una mujer de finales de temporada. La tercera retomó el legendario "Blow me", que ha pasado a ser una de las season finale por excelencia en mi corazón, de una manera irregular, cargante y sobre todo tramposa (con el espectador, que no con el personaje, ojo). Pero siempre se dice que más vale tarde que nunca, ¿no? Y aunque con esta aseveración me esté jugando mi reputación seriéfila, paso a afirmar que el final de la tercera entrega de Nurse Jackie es uno de los mejores de la temporada.

Mucho, y muy malo, hemos comentado de los últimos capítulos de la serie, y si algo nos ha quedado claro, incluyendo en la valoración la inesperada y con seguridad inmerecida renovación, es que Jackie siempre se sale con la suya. Y precisamente lo bueno de la finale es que convierte lo malo de la tercera temporada en una nueva genialidad del personaje; precisamente cuando Jackie toma conciencia de que está destruyendo su vida laboral y familiar, precisamente cuando está a punto de ser pillada en bragas por todos, su jefa se deshace de la prueba del delito y su marido le confiesa que le ha puesto los cuernos, haciéndola quedar como la buena de la serie. Vamos, Jackie, que te ha venido la Virgen a ver.

Y es en este punto cuando nos preguntamos si esta inesperada monotonía situacional de la tercera temporada, en que vemos a la prota saliendo indemne una y otra vez de toda maldad, es simplemente una trampa argumental para un final de órdago. Y es que es innegable que la última escena de la finale destaca por la pirotécnica tensión entre los protagonistas (el encuentro entre Jackie y Kevin es de infarto) y una magistral planificación audiovisual que resucita la serie, prácticamente muerta, otorgándole uno de sus mejores momentos, y dejándonos los huevos de corbata para la siguiente entrega. Pero, ¿es lícito que sólo podamos ver la genialidad de la temporada en retrospectiva, habiendo sufrido semanalmente el hastío de los doce capítulos anteriores? Jackie, puedes haber acabado con un "Pack your bags" sobresaliente, pero has aprobado por los pelos. Como siempre, vamos.

Popurrí apocalíptico

2011-08-09T16:55:00.001+02:00

El apocalipsis está de capa caída. Aunque ya se sabe que a la industria audiovisual, lo de que las convenciones de un género estén más que agotadas, pues ni fu ni fa. Y ni fu ni fa también dijeron los encargados de estos proyectos a la hora de intentar aportar algo nuevo al rollo apocalíptico. Para muestra, un botón: Falling Skies. Qué cierto es aquello de que en materia cinematográfico-televisiva está todo inventado, y vale que el fin del mundo, sea la causa que sea, viene de antaño, incluso en la tele... Y si no que se lo digan a la Diana de V. No se puede ser más icono pop... Sin embargo, la última década ha dado buenos y grandes ejemplos de apocalipsis, que ponen el mito al día del espectador actual y convierten cualquier invasión marciana sin importancia en un tratado de Sartre.

La carretera de McCarthy abrió nuevos horizontes a esto del día del juicio (incluida la inmejorable adaptación cinematográfica de Hillcoat); Darabont convirtió el error militar de La niebla, de Stephen King, en un incisivo relato social, con revisión posmoderna de las doce plagas y todo; Battlestar Galactica es el referente apocalíptico entre los entendidos por hacer de la ciencia ficción catódica un ensayo con vocación global sobre las miserias de la Humanidad… Lo cierto sobre estos proyectos es que no inventan nada nuevo, pero utilizan lo viejo para hablar del medio ambiente, la eutanasia, las religiones y el genocidio. Posmodernidad a tope, vamos. Pero ya se sabe que en esto de los géneros televisivos, uno escribe y los demás cambian el nombre a los personajes.

Y Falling Skies es uno de esos últimos que se han subido al carro apocalíptico. Esta apuesta de TNT por los efectos especiales no hace más que repetir una y otra vez los esquemas de V, que debe su éxito a la versión ochentera y a Jane Badler de viejuna, exclusivamente, y de la que Falling Skies toma la trama de resistencia; de Outcasts, con esa falsa vocación de personajes a lo BBC, aunque a las dos se les ve pronto el plumero; de The Walking Dead, que ya era mediocre antes de la huida de Darabont, y de la que toma el relato coral... Y lo realmente curioso de todo esto, a la par que significativo, es que Falling Skies no pretende copiarse de ninguna de las anteriores; simplemente explota todos los tópicos generalistas que discurren en el interior de éstas, lo que es infinitamente más grave.

Vacaciones en serie

2011-08-08T00:24:00.000+02:00

Dicen por ahí que para gustos los colores… Pues lo mismo para las vacaciones, que las hay de todo tipo. Paradisíacas, en ciudad, currando, de despedida, permanentes, de divorcio, de muerte… Y con esto de que El Club Silencio está de operación retorno, ha decidido vengarse de sus vacaciones (forzosas) con la primera parte de un especial sobre las horas más oscuras de las series en este período anual tan sobrevalorado.

Lo que sí es cierto es que los capítulos dedicados a las vacaciones suponen siempre un punto de inflexión en las tramas y los destinos estivales son empleados para revelar lo mejor y lo peor de los protagonistas. A continuación, algunos de los momentos más freakies de nuestra vida seriéfila, ya sean de season finale, a mitad de temporada, de series finale, en especiales veraniegos o simplemente porque sí. ¿Alguien se apunta?

Los Simpson, vacaciones por excelencia

Si hay alguien continuamente de arriba para abajo son Los Simpson. Ya se sabe que los de Springfield son los más sangrantes vampirizando momentos legendarios del cine y la tele, desde El resplandor a Harry Potter pasando por el musical y el reality show. Pues otro tanto hacen en sus viajes, en claro homenaje a estos especiales seriéfilos en que los protas se trasladan a un destino completamente diferente para romper la monotonía generada por la propia ficción. Yo me quedo con los Simpson en Río de Janeiro; el guiño al Tiburón de 007 en el rescate de Homer en teleférico es de Emmy.

Damages y la parcela de Patty

Diréis que las parcelas no son mitiquísimas del verano; pues Patty Hewes tiene una, y lo que se cuece ahí es de peli de miedo. Además de ser el lugar donde se planean algunos de los derramamientos de sangre estrella de la serie, la naturaleza de este destino en contraste con el hormigón de Nueva York es uno de los elementos definitorios de Patty; es allí donde empieza a expiar las culpas por haber mandado matar a Ellen. La escena del piloto en que la abogada tira la correa del perro de Katie al lago, uno de los geniales macguffin de la primera temporada, es simplemente de orgasmo televisivo.

Sensación de vivir; el camping es muy de los 90

Siempre que pienso en los chicos de Beverly Hills recuerdo Un día de camping como el capítulo más emocionante de la serie… Y es que a los seis años aún era muy impresionable. Brenda, Steve y compañía pillan la mochila a mitad de la segunda temporada para pasar un fin de semana en el parque de Yosemite, y cómo son estas cosas de la soap-opera que Brandon acaba colgando de un precipicio (los precipicios también son muy de los 90, véase Máximo riesgo). ¿Y quién le ayuda? Dylan. No tiene suficiente con quitarle a todas las chicas y comerse la boca con su hermana; encima va y le salva la vida. Ver la escena en cuestión mil años después no tiene precio.

Los Soprano en Nápoles

Y ahora me pongo serio, que yo soy muy de Los Soprano. No me equivoco al decir que Commendatori, el viaje de negocios de Tony a Nápoles en la segunda temporada, está en el top five de los mejores capítulos de la serie. Chase y Van Patten hacen una revisión contemporánea del viaje de Michael Corleone al pueblo natal de su padre; Tony abandona por un momento su vida de mafioso y se plantea el sentido de su matrimonio y su vida de apariencia al conocer a la capo Annalisa Zucca. Carmela, en Nueva York, piensa por primera vez en el divorcio. El reencuentro de ambos al final del capítulo, Con te partirò de fondo, es sencillamente descorazonador.

Médico de familia, vacaciones en Nueva York

Y para terminar, la hora y media más freaky de la televisión española, sí señor. Es innegable que Los Martin conquistan Manhattan, emitido en la tercera temporada de Médico de familia, cuando la serie ya era un hito catódico, es uno de los capítulos memorables de la ficción cañí. Y es que por muy importante que la serie se haya revelado con los años en cuanto a modelo de producción y patrones de audiencia, Médico de familia, visto en retrospectiva, ha dejado momentos muy bizarros… Aun así, siempre recordaremos con cariño a Nacho Martín cruzando el puente de Brooklyn (y siendo atracado en un callejón de Manhattan).

'Lo que debes entender sobre reyes'

2011-06-23T23:06:00.000+02:00

Eso es lo que el Gran Maestre Pycelle intenta explicar en la season finale de Juego de Tronos… Y es sólo uno de los síntomas de que nada puede darse por supuesto en la primera entrega de esta serie; la ficción catódica basada en Canción de Hielo y Fuego ha conseguido dar la vuelta a todo lo que esperábamos de ella. El esperadísimo estreno de abril generó un interesante freakie-debate entre los más escépticos, donde se contaban amateurs no lectores e incondicionales de la saga literaria con poca confianza en la adaptación televisiva, y los más entregados, a los que les bastaba con ver a los personajes en carne y hueso en una producción de la HBO. Pero no hay prejuicios ni expectativas que valgan; meses después de su comienzo ha quedado claro que Juego de Tronos rompe todos los esquemas.

Juego de Tronos conquista a apocalípticos e integrados… Los productores David Benioff y D. B. Weiss, con el respaldo de George R. R. Martin y realizadores curtidos en la HBO como Tim Van Patten y Alan Taylor, han sacado adelante una de las mejores series del año; dedicó los primeros capítulos a presentar a los protagonistas y las principales líneas de continuidad, calentando motores para una recta final de infarto: el ajusticiamiento de Ned Stark, la transformación de Daenerys o la elección del Muro por Jon Nieve son ejemplos de las vueltas que da la vida por Poniente. Pero no sólo de cliffhangers vive Canción de Hielo y Fuego...

Juego de Tronos es una serie de personajes que no renuncia al entretenimiento. Convence por su excelente construcción de protagonistas, uno de los aspectos más temidos por los seguidores de Martin. Aunque ya se sabe que la reformulación televisiva puede dificultar una dedicación a los personajes tan esmerada como en la versión original, la ficción destaca por su sutileza a la hora de permitirnos entrar en cada uno de ellos; la desesperación de Viserys por recuperar el trono, la perseverancia de Cersei para proteger su linaje, la inferioridad de Tyrion o Nieve frente a su familia…

Y aunque no acabemos entendiendo mucho sobre reyes, si que nos explicamos ahora por qué la HBO ha apostado por Canción de Hielo y Fuego. Lejos de la moralidad y el rollo parabolista de otras sagas fantásticas, Juego de Tronos es como la vida misma. No habla, o al menos no todavía, del conflicto entre el bien y el mal, ni de la justicia ni de la redención… Juego de Tronos melodramatiza las convenciones del género fantástico de forma esperpéntica, deformada, excesiva, para hablar de la familia, la sangre, la confianza y la corrupción del poder. Es tan sucia y tramposa como la realidad.

Verano con Patty Hewes

2011-06-21T17:34:00.000+02:00

Damages es la niña de mis ojos. No es un hito en la historiografía catódica ni mueve masas enloquecidas de fans, pero Glenn Close y Rose Byrne son las responsables de una de las mejores primeras temporadas de los últimos diez años… Ahí lo dejo. No sé qué me hicieron, pero las dos primeras entregas de Damages me ganaron incondicionalmente hasta el final de la serie… o hasta su cancelación, de la que se salvó por los pelos gracias a DirecTV hace menos de un año. Y es que Damages nos deja al borde del ataque de nervios hasta en los rumores de producción… Será por eso que los seguidores incondicionales nos hemos quedado sin uñas hasta la aparición la semana pasada del primer avance de la cuarta temporada, de esperadísimo estreno el próximo 13 de julio. Suenen las alarmas seriéfilas: Patty Hewes y Ellen Parsons están de regreso.

Dicen por ahí, y es verdad, que la tercera temporada de Damages defraudó las expectativas, pero aceptémoslo: las dos primeras son insuperables. Y yo que soy un enamorado irredimible tengo la esperanza de que su regreso en el satélite de DirecTV le devuelva la reputación que ha merecido. Estrenada por FX en 2007, con los productores Glenn y Todd A. Kessler (Los Soprano) a la cabeza, Damages nos conquistó en la complicada tarea de reformular la ficción de abogados, dejando el procedimental de lado y apostando por la intriga criminal como indivisible de la justicia en nuestros días. Puede que los géneros lo tengan muy crudo para convencer a los críticos catódicos, pero hay consenso en que Damages encontró la fórmula perfecta para combinar entretenimiento y calidad en cada uno de sus capítulos… ¿Acaso no es la coartada perfecta para darle una nueva oportunidad?

El efecto Mad Men

2011-06-15T18:49:00.000+02:00

Ni siquiera la perseverancia de Matthew Weiner, excesiva en ocasiones, ha logrado que los astros catódicos se alineen para que podamos disfrutar de Mad Men antes de 2012… Y más de un año y medio desde la emisión de la season finale de la cuarta temporada hasta el previsto comienzo de la quinta es mucho síndrome de abstinencia. Aunque parece que algunos proyectos anunciados en las upfronts de mayo quieren aliviar nuestro mono para después del verano... Puede que no recuperemos a Don Draper ni a Peggy Olson, pero con Pan Am (ABC) y The Playboy Club (NBC) vamos a tener dosis de sixties para rato. Algunos estarán encantados con el sucedáneo, y otros dirán de antemano que estas ficciones de consolación son incomparables al premio gordo, y con razón.

La serie que dio el bombazo en la AMC a mediados de 2007 es mucho más que nostalgia sesentera. Puede que debamos agradecer a su estreno el poder lucir otra vez corbatas estrechas, raya en el pelo y vestidos a lo Jackie Kennedy, pero Mad Men va más allá de lo aparente. Ambientada en plenos 60, los chicos de Sterling & Cooper nos demostraron que lo cortés no quita lo valiente. Son “hombres locos” por trabajar en la empresa epicéntrica de la vanguardia creativa en publicidad, sí, pero no pueden escapar al inmovilismo político, social y cultural instalado incluso en los despachos más modernos de Madison Avenue. Y es que los protagonistas de Mad Men ya querrían para sí la libertad de la que hacen gala en la oficina…

No me equivoco al decir que Mad Men es la ficción más alabada desde Los Soprano, y es curioso que compartan showrunner; Weiner ha reinventado a Tony y Carmela en Don y Betty Drapper. Él, desertor de Corea convertido en el creativo publicitario del momento siempre entre la espada y la pared, entre su mujer y las demás, entre el oficio y el vicio; ella, enferma del síndrome housewife a la que se le acaba viendo el plumero harta de esperar a que su marido vuelva del curro… Y es que no hay revolución de los 60 que valga: Mad Men es un espejo en el que se reflejan aquellos a los que todavía hoy les cuesta decidir entre lo que tienen y lo que desean, que son muchos…

Por todo esto parece que The Playboy Club y Pan Am lo tienen muy chungo... Véase Los hermanos Donnelly tras Los Soprano; puedes tener un gran guión para emular a los grandes, pero tienes que decir algo más que ellos. Mad Men es única por hablar de lo actual a través de una época de tradición y conflicto, y las que le sigan tendrán que cambiar de tercio… Quizá por eso Pan Am parece querer actualizar el contexto de moda con tintes de soap-opera, y The Playboy Club a través de la intriga criminal, y confiemos en que sean capaces de alumbrar algo nuevo y rompedor… Porque ya se sabe que un traje de franela gris y un par de peep toes no hacen a Mad Men.

La hora del 'showrunner'

2011-06-14T18:56:00.000+02:00

Lo de que J. J. Abrams es el nuevo Spielberg está muy trillado, pero a mí me sigue dando mucho que pensar. Y no porque vaya a devanarme los sesos en extraer similitudes entre el trabajo de uno y otro, sino porque entiendo que el hecho de que el creador de una serie pueda ser comparado con un director de cine consagrado hace décadas es uno de los síntomas ineludibles para tomar el pulso a la ficción televisiva actual. Sólo los minímamente puestos en el tema saben sobre la influencia de nombres como Steven Bochco o Aaron Spelling en la tele que vemos hoy día, pero ahora cualquiera puede hablar de los nuevos proyectos del pensador de Lost o de los cabreos de Frank Darabont en la producción de la segunda temporada de The Walking Dead.

Y esto sólo es la punta del iceberg… La venta de series como Treme o True Blood habría sido mucho más complicada si no tuvieran como magos de Oz a David Simon, curtido en The Wire, y Alan Ball, creador de A dos metros bajo tierra… Y no me refiero a las networks, que en su mayoría están interesadas en la pasta que pueda dar el producto, sino también a los espectadores, que cada vez confían más en el sello de calidad detrás de estos nombres. Proyectos actuales como el documental Showrunners o las mesas redondas de productores ejecutivos mirando hacia los Emmy organizadas por The Hollywood Reporter se encargan de poner cara a las personas que mantienen la línea creativa de las series que constituyen nuestro vicio.

Y nosotros nos declaramos totalmente en deuda con ellos… Esta tendencia de los medios nos ha permitido ajustar cuentas con los desconocidos responsables de las ficciones que amamos; hoy sabemos que Shawn Ryan es el productor de ficción de género policiaco más solicitado en la actualidad gracias a The Shield, y Matthew Weiner se nos ha metido en el bolsillo tras saber que se ha dejado las uñas para sacar adelante la quinta temporada de Mad Men… Pero a veces la publicidad puede ser engañosa. Por algo se dice eso de que no es oro todo lo que reluce, pues en la tele, al igual que en el cine, el producto final depende del trabajo de un numeroso equipo creativo.

Y es que no siempre es el mismo el que guisa y el que se lo come... Puede que nos cautive el saber que un productor como J. J. Abrams pueda estar detrás de dos series geniales como Lost y Fringe, pero al César lo que es del César… Es innegable que ambas tienen puntos argumentales en común, pero un desarrollo totalmente dispar; de los guionistas Lindelof y Cuse dependen las críticas hacia la primera, y de Brad Kane y Monica Breen la alabada season finale de la segunda. De la misma manera podemos hablar de Robert y Michelle King, escritores catódicos responsables del éxito de The Good Wife, producida por los hermanos Scott… ¿Para cuándo los quince minutos del guionista?

La ilógica del 'remake'

2011-06-10T14:18:00.000+02:00

Teen Wolf tiene más bien poco de hombres lobo. Y eso que la nueva serie de la MTV no tiene demasiado que envidiar al resto de series del target teenager-juvenil que se emiten actualmente, y si no un vistazo a la CW. Los dos primeros capítulos de Teen Wolf son ciertamente entretenidos, modestos e intentan sortear los tópicos más manidos por la ficción adolescente, con más o menos suerte, pero sin pasarse de listos… El problema es que, sabiendo de antemano que Tyler Posey va a marcar mucho pectoral pero va a aportar poquito a la figura del hombre lobo… ¿para qué usurpar otro mito cinematográfico-catódico? Y es que yo me intereso mucho por la contaminación de la cultura televisiva… preocupantemente desde que a Telecinco le ha dado por remakear Damages y Cheers.

Y mucho más si nos referimos a un mito tan devaluado como el de los hombres lobo. Siempre por detrás de los vampiros en refinamiento y follabilidad, lo único que le falta al licántropo es ser el capitán de lacrosse del instituto para perder toda reputación monstruosa. Y es que, aunque no lo parezca y a los de la MTV no les importe, esto de ser hombre lobo tiene una interesante carga cultural-romántica detrás; se dice que muestra la cara B de la represión de los instintos humanos en la sociedad moderna. Pero en Teen Wolf no hay nada de eso… y lo malo es que tampoco lo pretende. El prota de la serie podría haber sido bombero, travesti o incluso inmigrante, que también está muy mal visto últimamente en los institutos, y se habrían ahorrado el dinero de los efectos especiales.

Y vale que el homólogo ochentero de Teen Wolf tampoco contara nada nuevo, pero Michael J. Fox se burlaba del hombre lobo, y ya se sabe que los tópicos tomados a risa sientan mucho mejor. Cualquier asomo de conflicto identitario en la nueva versión es superado en el primer capítulo; lo que importa después es ganar el partido y no llegar tarde a la cita con tu novia. Y es que la densidad social de una serie, la coartada para que True Blood pueda remakear un mito romántico porque le permite hablar de las drogas y el racismo y Battlestar Galactica haga otro tanto con una serie de los 70 consagrándose como un microrrelato sobre la humanidad; lo que hace que una ficción sea grande pese a su vampirización de la cultura, o precisamente por ello, es lo que le falta a Teen Wolf. La cuestión es que Teen Wolf tampoco quiere ser una gran serie.

Razones por las que se me atraganta Love Bites

2011-06-08T14:03:00.000+02:00

Love Bites ha comenzado con muy mal pie... Y no me refiero al estreno, ni tampoco al momento en que a alguien se le ocurrió la idea de producirla (soy tan dañino, pero no tanto)... Lo cierto es que la nueva comedia de la NBC ha tardado más de un año en llegar a las pantallas, desde las upfronts del año pasado. Debido al embarazo de Becki Newton y el abandono de la actriz Jordana Spiro, ambas protagonistas de la serie, y a la apretada agenda personal de la productora Cindy Chupack (Sexo en Nueva York), la llegada a pantallas no se ha producido hasta el pasado 2 de junio, con unas cifras de audiencia bastante decepcionantes… Y es que parece que nadie da un duro por Love Bites. Y con razón(es)…

1. Mis tweets sobre el piloto de la serie

Love Bites 01x01 Dios, y todavía quedan tres cuartos de hora por delante...
Love Bites 01x01 En serio, ¿todavía quedan 35 minutos para que acabe?
Love Bites 01x01 ¿Hola? ¿Quedan 25 minutos?
Love Bites 01x01 Guay, ya sólo quedan 10 minutos...

2. Becki Newton y compañía

Love Bites es sinceramente encomiable en su intento de refrescar los estereotipos de la comedia romántica, no sólo televisiva, sino también en ciertas referencias televisivas muy positivas…. Pero no lo consigue. El primer obstáculo: los personajes protagonistas. Becki Newton (Betty), principal atractivo promocional de la serie, pretende ser tierna y afable, pero no cuaja en su papel ni de lejos, y su amiga es directamente insoportable. Lo mejor: Greg Grunberg, que se nos presenta como un gañán pero acaba resultando muy simpático. Lo más mejor: Jennifer Love Hewitt en su cameo… que yo también tengo mis momentos teen, ¿vale?

3. El rollo babel-amoroso

Uno de los elementos originales de la serie es la combinación de diferentes relatos de amor. Esta estrategia de Love Bites, muy de moda en el cine de hace unos años, parece querer transgredir la estructura de la comedia a través del relato global o “generacional”. Pero nada más lejos de la realidad; además de que las tres historias están cargadas de clichés poco realistas acerca de las relaciones sentimentales y el sexo, es el espectador el que debe decir si una serie es representativa de algo, no el productor o guionista.

4. Música pop y cámara lenta

Como es de esperar, Love Bites recurre a la planificación audiovisual empleada por el 90% de las series del target. Parece claro que la serie quiere innovar poco en este aspecto: desde el montaje rápido e irónico para aligerar el tono y otorgarle comicidad hasta las composiciones pop y slow motion en escenas especialmente intensas…, como besos y eso… Yo ya lo he visto muchas veces en Gossip Girl, y es la única disfrutable y simpática en tal bizarrismo. Teniendo a Black Lively, ¿para qué voy a ver a Becki?

5. Refranero popular televisivo

Es muy desesperanzador que a estas alturas del juego catódico los guiones televisivos rebosen tópicos mil veces criticados y que han llevado a la ruina a otras series. Situaciones un tanto absurdas y nada graciosas como la de la chica que se inventa que es virgen para ligar en una discoteca o la del novio que se informa sobre vibradores para satisfacer a su chica... Puede que Love Bites esté dirigida a un público adolescente-juvenil, pero… ¿de verdad pensáis que queremos más de lo mismo?

Los 1st Critic´s Choice TV Awards, por todo lo alto

2011-06-07T02:31:00.000+02:00

Los Critic´s Choice Television Awards han inaugurado tirando la casa por la ventana. La lista de los nominados a la primera celebración de estos premios, que tienen una versión cinematográfica mucho más experimentada, parece haberse metido en el bolsillo a buena parte de los seriéfilos. Y es que a un mes del anuncio de las candidaturas a los Emmy, los Critic´s Choice son el primer aperitivo al reparto de galardones catódicos una vez finalizada la temporada de series, y dan las primeras pistas hacia los de julio. La Broadcast Television Journalists Association, el comité de críticos televisivos encargado del evento, parece haber querido casarse con todos, aunque lo cierto es que el balance es equitativo y agradecido con alguna que otra ficción "olvidada". A la cabeza de los afortunados, ABC y NBC en abierto, con 16 y 12 nominaciones, y AMC y FX en el cable con 9, y triunfan Modern Family y Mad Men, con 6 y 5 nominaciones. La gran sorpresa: Fringe, con tres de las grandes.

Como la blogosfera seriéfila around the world ya se habrá encargado de difundir la lista completa de nominados entre la masa freaky, El Club Silencio ha decidido apostar por una particular y parcialísima quiniela de las seis categorías principales en la que puede participar todo televidente enamorado: el de siempre (puede ser buenísimo, pero estás harto de verle todos los años entre los opositores a galardón), el nuevo (el nuevo nominado que te ha llegado a la patata), la sorpresa (el que creías que no iba a triunfar ni de coña), el favorito (el que creas que va a ganar, racionalmente) y Always in my heart (el que ya ha ganado en vuestro corazón).

Mejor drama

Boardwalk Empire
Dexter
Friday Night Lights
Fringe
Juego de Tronos
The Good Wife
Justified
The Killing
Mad Men
The Walking Dead

La de siempre – Mad Men, y con razón.

La nueva – Boardwalk Empire ha llegado para quedarse.
La sorpresa – Fringe, con retraso, pero ya está entre las mejores de forma oficial.
La favorita – Mad Men, adorada por los críticos (y por nosotros también).
Always in my heart – The Good Wife se merece lo más alto de mi top five por esa temporada increíble.

Mejor comedia

Archer
The Big Bang Theory
Community
Glee
Louie
The Middle
Modern Family
The Office
Parks and Recreation
30 Rock

La de siempre – 30 Rock, veterana imprescindible.
La nueva – Parks and Recreation comienza con muy buen pie.
La sorpresa – The Middle
La favorita – Modern Family es la clara triunfadora (por el momento).
Always in my heart – 30 Rock

Mejor actor de drama

Steve Buscemi – Boardwalk Empire
Kyle Chandler – Friday Night Lights
Michael C. Hall – Dexter
John Hamm – Mad Men

Willliam H. Macy – Shameless
Timothy Olyphant – Justified

El de siempre – John Hamm parece haberse convertido en el Imanol Arias yanqui.
El nuevo – Steve Buscemi, que ha cumplido las expectativas con creces.
La sorpresa – Timothy Olyphant. Aceptadlo, uno de los mejores actores televisivos.
El favorito – John Hamm
Always in my heart – John Hamm. Mente y corazón se han puesto de acuerdo.

Mejor actor de comedia

Alec Baldwin – 30 Rock
Steve Carell – The Office
Louis C. K. – Louie
Charlie Day – Colgados en Filadelfia
Joel McHale – Community

Jim Parsons – The Big Bang Theory

El de siempre – Alec Baldwin no podía faltar.
El nuevo – Louis C. K.
La sorpresa – Charlie Day, de la olvidada Colgados en Filadelfia.
El favorito – Steve Carell
Always in my heart – Steve Carell, aunque sea como despedida.

Mejor actriz de drama

Connie Britton –Friday Night Lights
Mireille Enos – The Killing
Julianna Margulies – The Good Wife
Elisabeth Moss – Mad Men
Katey Sagal – Sons of Anarchy
Anna Torv – Fringe

La de siempre – Elizabeth Moss, y es que Peggy nos ganó desde el principio.
La nueva – Mireille Enos se estrena a lo grande.
La sorpresa – Anna Torv, reconocimiento más que merecido.
La favorita – Elizabeth Moss, que Mad Men tiene mucho tirón.
Always in my heart – Julianna Margulies, y no digo nada más.

Mejor actriz de comedia

Courteney Cox – Cougar Town
Edie Falco – Nurse Jackie
Tina Fey – 30 Rock
Patricia Heaton – The Middle
Martha Plimpton – Raising Hope
Amy Poehler – Parks and Recreation

La de siempre – Tina Fey no se pierde una.
La nueva – Amy Poehler
La sorpresa – Patricia Heaton
La favorita – Tina Fey, que los colecciona.
Always in my heart – Edie Falco, porque mi amor es incondicional.

¡¡Animaos y pasadlo bien!!

De tal palo tal astilla. O algo así.

2011-06-06T13:04:00.001+02:00

De esta forma comienza Exile, con un de tal palo tal astilla. Pero aunque ya se sabe que los tópicos son una buena manera de acercarse a la realidad, de una ficción de la BBC podemos esperar de todo menos algo típico. Y aprovechando esta coyuntura del cliché, podemos empezar diciendo que, con Exile, las apariencias engañan. La miniserie de tres capítulos que BBC One emitió a principios de mayo parece querer ser una revisión-siglo-XXI de aquello del hijo pródigo. En este punto, lo fácil es contar que Exile habla de la recuperación de la memoria familiar en la figura del Alzheimer; lo difícil es creernos que pueda hacerlo desde las coordenadas de un thriller criminal con poco que envidiar a los mejores momentos de Rubicon. Y es que con un equipo experimentado en la ficción televisiva encabezado por Paul Abbott, como productor (State of Play, Shameless), y John Simm (Doctor Who) y Jim Broadbent (Moulin Rouge) delante de las cámaras, la BBC puede llevar a buen puerto cualquier idea disparatada que se le ocurra.

Después de 18 años y tras una crisis personal y laboral, Tom Ronstadt vuelve a su ciudad de origen, a casa de su padre enfermo de Alzheimer, que tiene esclavizada a su hermana pequeña, que no hablaría precisamente maravillas de la Ley de Dependencia inglesa. ¿A que parece que los tres empezarán a sacar los trapos sucios para luego perdonarse? Pues no. En Exile nada es lo que parece; primero, porque al viejo de Tom se le ha pirado la cabeza y es imposible hacerle entrar en razón, y segundo, porque la inexplicable paliza que éste le pegó a su hijo y provocó su huída es oficialmente imperdonable. El intento del protagonista de encontrar una explicación a aquel sangriento episodio será el inicio de una negrísima crónica de Reino Unido… Porque en España tenemos Puerto Hurraco, pero los ingleses tampoco se quedan atrás.

Con Exile, la BBC One se apunta otro tanto en entretenimiento y calidad; mientras la BBC Two, cadena minoritaria – y con mayor libertad creativa –, puede darse el lujo de un The Crimson Petal and The White, la primera cadena debe cortarse un poquito más… y eso que los espectadores ingleses están muy bien educados. Pero Exile cumple con creces; es un producto correctamente realizado, entretenido y que además habla de la memoria de lo social, desde el Alzheimer a la impunidad de los crímenes cometidos en las zonas más deprimidas del país. Son esos crímenes los que provocan el exilio familiar, no sólo en la distancia, sino interior, en el hombre que sacrifica sus recuerdos para ocultar los pecados de otros y poder rescatar lo que queda del amor de sus hijos… Y es que ya se sabe que padre sólo hay uno..., o algo así.

Bye Bye, temporada 2010/2011

2011-06-03T18:17:00.000+02:00

"Algo se muere en el alma cuando un amigo se va", se dice en uno de los momentos más bizarros de la música española, y eso que hay muchos... Pues eso, nuestros amigos de la temporada 2010/2011 ya se han despedido, algunos para siempre y otros hasta la próxima, y ya sean buenos o malos, se merecen un adiós a lo grande, como el proyectado por Hablando de Series… Dicen que las despedidas son tristes, pero ésta vamos a afrontarla con gratitud hacia los buenos momentos, y con alegría por los que vendrán… Además, para algo es el primer Meme de El Club Silencio…

Sólo hay una instrucción de uso: se trata de comentar la temporada 2010/2011 desde los estrenos de otoño hasta hoy mismo.

La novata que nunca debió existir
Una buena idea no sólo se sirve de eso, también hace falta una ejecución “como Dios manda”. Y esto no sólo pasa en la televisión española… The Event es el mejor ejemplo; el piloto prometía mucho, y puede que fuera uno de los más espectaculares de la temporada… ¿y el resto? Y es que es mala con avaricia. Por decir algo bueno de ella, Zeljko Ivanek, que siempre se sale.

La que ha perdido fuelle
Sin duda, Nurse Jackie. Y mira que amo a Edie Falco sobre todas las cosas..., pero la enfermera de la Fox ya se pone cansina… Además de estafarnos con el cliffhanger de la segunda temporada, que ha quedado en nada, Jackie Peyton pierde protagonismo a marchas forzadas en una serie que debe liderar… Todavía tengo esperanzas, puede que infundadas por mi amor incondicional…

All the same, one different
Treme. Es una serie muy regular, y que avanza muy poquito a poco. El final de la primera fue de órdago, y la segunda ha empezado sobre seguro. Lo que no cambia es su buen rollo y su genialidad expresiva. David Simon rules!

La que sigues con más pasión
The Good Wife. No recuerdo momento televisivo más emocionante en los últimos años que la season finale con Closing Arguments. Ni con el estreno de Titanic, ni con el final de Lost… Ahí lo dejo.

La gran decepción
Outcasts. La BBC nos tiene malacostumbrados. El 90% de lo que hacen es buenísimo, pero el 10% malo también tiene que verlo alguien. Otro ejemplo de una buena idea mal llevada. Nunca supieron combinar la espectacularidad de la trama “espacial” con la profundidad de unos personajes demasiado intensos…

La que te ha sorprendido gratamente
Aunque se fue por las ramas a mitad de temporada, Lights Out ha sido uno de los ejemplos más dignos de cómo la televisión puede explorar un género nuevo con buenas referencias y un gran respeto por las necesidades catódicas del espectador actual.

La que te llamaba mucho pero no seguiste con ella

Tenía la intención de continuar Big Love hasta la series finale. Y mira que a mí me gusta el drama, pero me pareció soberanamente aburrida. Es mi proyecto de futuro.

La cansina
Gossip Girl. En serio, ¿tenéis algo que contar o me pongo Al salir de clase?

La miniserie

Sin duda, The Crimson Petal and The White. Está en el top ten de las ficciones televisivas de la temporada recién acabada. Argumental, formal y culturalmente imprescindible. Me confieso locamente enamorado de Romola Garai, y espero The Hour con impaciencia.

La que no pensabas que te gustaría

Juego de Tronos. Y es que yo soy una persona de prejuicios, qué pasa. Las expectativas de los lectores y demás seguidores me hicieron desconfiar de un género que no las tiene todas consigo, expectativas que la serie ha cumplido con creces a mitad de temporada. Es de las pocas series de la HBO que podemos ver sin tener un café delante.

La nueva serie que recomiendas
Silk. Dedico este espacio a homenajear la serie de abogados de la BBC, ya que parece haber pasado catódicamente desapercibida. Para mí, el mejor estreno de la temporada. Aquí me granjearé enemistades; el desarrollo paralelo entre los casos del bufete y los personajes supera en sutil y perturbador a The Good Wife… Ahí lo dejo.

Me gustaría formar parte de esta familia
Quiero ser hijo, sobrino, nieto, marido, hermano o amante de Alicia Florrick. Si alguien dice que no es el personaje más adorable de la televisión, me lo como…

La que sigue en forma
Fringe… Y menuda forma. Aunque algunos hemos criticado que se haya ido por las ramas en ciertos episodios (por eso de sacar punta a lo perfecto), Fringe ha demostrado que necesita tiempo (no hay serie que mejor soporte los 23 capítulos por entrega) para cerrar su ciclo en cada temporada. Insisto, el seriéfilo que no vea Fringe, que cierre el blog.

La que dejaste y ahora te arrepientes

Glee. Aunque cuando lo pienso dos veces, tampoco me arrepiento mucho. Los personajes apenas evolucionaron en la primera temporada, y me he cansado de ver a Lea Michele enseñado cacha en las revistas… Y eso que iba de la pringada de clase. Luego veo a la gente tan emocionada con ella que me da por ponerme otra vez… Y es que es acordarme de Dont Stop Believin y se me ponen los pelos de punta.

Una nueva con buena pinta
No me pierdo Pan Am y The Playboy Club, aunque nunca reemplazarán a Peggy Olson en mi corazón. Tampoco me perderé Wilfred y The New Girl, que Elijah y Zoey son de lo más achuchable. También espero ser testigo de la resurrección de Sarah Michelle, aunque ella ya haya superado la veintena y yo la adolescencia.

La cancelación que has maldecido
Mi herida por la cancelación de Rubicon puede que dure hasta la temporada 2020/2021, aunque The Chicago Code y Teresa Colvin también han dejado un vacío en mi corazoncito.

La renovación cansina

Preveo que la fórmula How I met your mother se agotará próximamente, aunque yo voy por la segunda y me ha sorprendido muy gratamente… Y bueno, desde aquí promuevo una plataforma por la Cancelación Inmediata de Hospital Central.

Ese cliffhanger malo para tu manicura
Me debato entre Fringe y The Good Wife, Olivia y Alicia. Me guío por instinto; el nudo en el estómago atestigua que la escena del ascensor ha sido el final de temporada por excelencia.

Un momento para llorar
Además del piloto doble de The Killing, que encoge el corazón, elijo Marionette de Fringe. El momento en que Olivia pregunta a Peter por qué no reconoció sus ojos en los de Fauxlivia ha sido de los más conmovedor de la temporada.

Un momento para reir
Psychoville. Y mira que dan grimita, pero es que Shearsmith y Pemberton son tan graciosos…

#yoconfieso
Descubrir que Khandi Alexander (Ladonna en Treme) era coreógrafa de Whitney Houston y Jennifer Beals (Teresa Colvin en The Chicago Code) fue la prota de Flashdance ha despertado mi corazón cotilla, y me ha hecho admirar todavía más a estas dos impresionantes actrices.

Tú sobras
Piratas. Prohibamos a Telecinco hacer más versiones antes de que mancillen toda nuestra cultura televisiva.

La que has abandonado
V. Luego dicen que si hay series muy cafeteras, pero es que a mí me da mucho sueño la Coca Cola Light… Exijo un poco de profundidad de personajes y diálogo, por favor… Ni siquiera la sombra de Diana ha podido rescatar a V de la cancelación.

#Túantesmolabas
Doctor Coop, de Nurse Jackie… Ahora sí que te odio.

This is reality televisión
A mí es que los reality, ni fu ni fa. Me quedo con Niños de papá, que ha quedado grabado en mi memoria gracias al repelús que desprenden sus protagonistas. Y Hermano mayor, ojo, que el sensacionalismo de la violencia infantil puede conmigo. No soy de piedra, ¿vale?

La nueva serie que no veré ni loco
Are You There Vodka, It's Me, Chelsea y I Hate my Teenage Daughter… Sitcom viejuna de risas enlatadas, te tengo muy calada.

And aaaaaaIaaaaai güil olgüeis lof youuuuuuuuu
Este espacio está dedicado a todo comentario freaky sobre Crematorio. La mejor serie española ever, y de las mejores vistas esta temporada. Totalmente actual, socialmente imprescindible, argumental y formalmente genial, increíblemente interpretada. Canal Plus, ¿para cuándo la próxima?

Eh eh, que esto no ha acabado.
Adiós, temporada 2010/2011. Hola, True Blood, Wilfred, y sobre todo, Damages.

Me despido con una recomendación para los rezagados a todo lo grande… Vamos, una despedida a lo The Good Wife.

Corrupción televisiva y la trampa del escribano

2011-06-02T14:21:00.000+02:00

Con esto de la revolución, parece que está de moda meterse con los que tienen el poder… Pero es que, además de ladrones, los hay muy bárbaros... Que le pregunten al escribano hortelano, un pájaro comilón de unos 15 centímetros de largo que es encerrado y cebado como una oca, ahogado en whisky, desplumado y asado, y masticado durante un cuarto de hora para que se deshaga en la boca. Se dice que el comensal debe taparse la cabeza con una servilleta para ocultar su crueldad… y con razón. Así habla Rubén Bertomeu al comienzo del segundo episodio de Crematorio, acerca de una de las prácticas gastronómicas más crueles, sólo al alcance de los más ricos. Ilegal, feroz y exclusiva.

La escena de Crematorio, indudablemente una de las mejores de la temporada televisiva recién acabada, expresa con una contundencia violenta y aplastante las dinámicas alrededor de las que se mueve la corrupción institucional worldwide. Y viene de una ficción española, que conste. La serie de Canal Plus ha supuesto un reboot para todas las que hablan de los cadáveres tras las mafias institucionalizadas, de “las cenizas que produce el poder”. Crematorio añade el plus de la idiosincrasia delictiva de nuestro país; además de las víctimas y los verdugos, habla de todas aquellas familias que, acercándose al olor suculento de la pasta, han acabado devoradas por sus propios crímenes.

David Simon fue de las primeras moscas cojoneras de los de arriba… El productor de The Wire fue testigo durante años de los crímenes derivados del narcotráfico y su alianza con las instituciones gubernamentales como periodista del Baltimore Sun, y plasmó parte de su experiencia en las novelas Homicidio y The Corner, germen de la ficción final que lo consagró como el Dickens televisivo. Y es que por algo The Wire es considerada hoy como el Gran Relato Americano; es una radiografía global, exhaustiva e increíblemente realista sobre cómo el entramado mafioso del narcotráfico esclaviza a los olvidados de la sociedad norteamericana desde los inexpugnables despachos de los ayuntamientos.

Y es que los que mueven el cotarro político y social son actualmente los protagonistas de la crónica negra televisiva, incluso en los ejemplares del género policiaco más purista, quitándoles el puesto a psicópatas y terroristas. Es muy significativo que uno de los protagonistas de Ley y Orden: Unidad de Víctimas Especiales, muera investigando el caso de un narcotraficante mexicano protegido por un cónsul, alrededor del que gira su última entrega; o que The Chicago Code dedique su primera y única temporada a la persecución de un concejal relacionado con la mafia irlandesa…

La corrupción institucional ya no es una curiosidad episódica y conclusiva en las ficciones, es un enemigo tan real que las series que lo retratan se han convertido en gritos de denuncia y de reivindicación de las fuerzas que persiguen sus crímenes. Tal es el caso de El puntero, miniserie argentina estrenada el pasado mayo acerca de un político empeñado en convertirse en alcalde a toda costa, o El equipo, nueva ficción mexicana protagonizada por una unidad policial encargada de desmantelar la corruptela del narcotráfico... Un enemigo desdibujado, disperso, permeable, escurridizo, al que es imposible eliminar del todo…

Sangre fresca, fresca...

2011-05-27T18:23:00.000+02:00

No hay duda respecto a que los de True Blood han sido los mejores generando expectativa desde su primera temporada… Y es que los que somos fieles a Bon Temps esperamos como agua de mayo que la HBO lance los trailers y carteles publicitarios a finales de mes… Y no se han hecho esperar; el bombardeo promocional de la serie dio comienzo hace un par de semanas. Lo malo de esta campaña previa es que deja tan alto el listón que, al final, el trabajo de Alan Ball durante un año entero… ni fu ni fa. O al menos algo así ocurrió con la última temporada… En septiembre de 2008 la HBO estrenó True Blood, del creador de A dos metros bajo tierra, basada en la saga literaria fantástica de Charlaine Harris. La sorpresa fue que su atmósfera vampírica y de terror, el principal atractivo de la ficción, no era más que una coartada argumental para hablar de las drogas, la marginalidad o el racismo… La primera temporada, además de suponer un revulsivo genial para los géneros catódicos, se convirtió en un emblema de calidad y entretenimiento en el panorama televisivo actual.

Y es que True Blood es de las pocas que te deja con la boca abierta mientras cuenta mucho de nosotros mismos. Sin embargo, la serie ha ido perdiendo fuelle temporada a temporada; pese a haber refrescado con líneas de continuidad rompedoras, como la estirpe real de vampiros y la alianza con los hombres lobo, son los protagonistas los que impiden que los vampiros nos pongan tanto como en la primera entrega… Donde Sookie antes era graciosa, ahora es excéntrica; donde Bill era tierno, ahora es demasiado intenso… Y es que ya se sabe que cuando los secundarios llevan el peso a sus espaldas, es el espectador el que acaba soportando la carga... La cuarta temporada es la nueva oportunidad para reflotar True Blood (Alan, I trust you), la que ha sido una de las series más transgresoras de los últimos años; la separación de Bill y Sookie, su acercamiento a Eric y el descubrimiento de su poder como hada dará mucho que hablar en los próximos capítulos… Y ya veremos si para bien o para mal. La prueba de fuego…, el 26 de junio.

The Chicago Code y la receta del género

2011-05-26T17:54:00.000+02:00

A Shawn Ryan se le ha cortado la mayonesa. Y es que las series de género requieren una mezcla muy precisa en un panorama televisivo tan saturado como el de hoy. Los géneros catódicos siguen muy muy vivos, pues aunque no convenzan del todo a la crítica, son los más agradecidos para el público, que en su mayoría prefiere lo “malo” conocido a lo bueno por conocer. El productor estadounidense, consagrado por la aclamada The Shield, ha tenido en cuenta la receta para su nuevo acercamiento al drama policiaco, The Chicago Code; debes tratar las convenciones genéricas con una perspectiva original para destacar sobre el resto, pero si te pasas de innovador, luego te llaman moderna. The Chicago Code, estrenada por Fox a principios de febrero, ha sido una digna actualización de la mitología policial televisiva, con buenas referencias, buenos personajes y líneas de continuidad interesantes. Lo bueno de esto es que entretiene seguro. Lo malo, que nadie se muere por verla. Resultado: cancelación en la primera temporada.

Y eso que la serie tiene una jefa de policía de Chicago (Jennifer Beals – la prota de Flashdance pistola en mano a sus casi cincuenta años es un visionado imprescindible) muy justa y a la que no le da miedo dar un par de guantazos, que deja su vida personal a un lado por su trabajo; un concejal corrupto, malo muy malo, pero con mucho carisma; una familia honrada de policías, los Wisocky, a los que amenaza la sombra de la corrupción (tema tratado en otra serie de género actual, Blue Bloods); el infiltrado a punto de ser descubierto, incluso los compañeros de patrulla que terminan a partir un piñón (sí, también hay mucho de buddy film, de Alma letal a Dos policías rebeldes) o acaban enamorándose.

The Chicago Code tiene todos los ingredientes para que se les haga la boca agua a los incondicionales del género. Pero son los momentos en que la serie huye de lo estrictamente policiaco cuando sobresale como un ejemplar sui generis; The Chicago Code guarda la genialidad en su propio título. Apuesta por un enfoque localista chicago-castizo que lo aleja de la mitomanía de las ficciones policíacas y lo acerca a lo realmente oscuro de una ciudad. Mientras otras series intentan salvar al mundo del terrorismo, cliché en el que caen hasta los dramas policiacos más planos (es muy duro que Los hombres de Paco pretendan evitar atentados cuasi mundiales), Shawn Ryan se sale por la tangente.

The Chicago Code elige un lugar representativo, cultiva visualmente su propia intrahistoria (esos flashbacks a lo The Black Donellys aportan cierto respaldo cultural a la serie) y se centra en la institucionalización de la corrupción (Ryan revitaliza el género en su acercamiento argumental a The Wire o Los Soprano), algo que ocurre hasta en las ciudades que salen por la tele. Además, la serie actualiza sus estereotipos con un enfoque de raza y género: el jefe de policía es una mujer, y mestiza, al igual que gran parte de su equipo, el político poderoso es negro, la pareja sentimental es interracial… Son este tipo de detalles socioculturales los que ponen a punto cualquier producto para el espectador de hoy en día.

Sin embargo, han sido las pequeñas cargas genéricas las que han llevado a la serie a la cancelación. La conclusividad de cada episodio lastra el desarrollo de los personajes, que son lo realmente atractivo de The Chicago Code, como la soledad de Teresa Colvin o la relación de Wisocky con su prometida y su ex mujer, y de las líneas de continuidad; el hecho de que en cada capítulo resuelvan cada caso provoca que el bando enemigo, encabezado por el concejal, quede siempre desdibujado. El panorama televisivo de los últimos años, pensando en CSI: Las Vegas respecto al género policiaco, True Blood al fantástico o The Good Wife al legal, ha demostrado que son precisamente esas pequeñas violentaciones de lo tradicional las que hacen que una ficción sea recordada por ir a la vanguardia del género... Y The Chicago Code tiene demasiado de tradicional.

Para revolución, 'The Good Wife'

2011-05-23T20:02:00.000+02:00

SPOILERS de la segunda temporada de The Good Wife

Sí, la segunda temporada de The Good Wife merece dos entradas en el blog. Y así seguidas, en plan maratón. Porque lo de esta serie es de campeonato; comparte el podio con Fringe en ser la ficción con el fenómeno fandom más contundente de la televisión actual, teniendo en cuenta sus pobres datos de audiencia. Puede que los florrickeros seamos un pequeño nicho televidente, pero ya se sabe que la especialización favorece la competitividad. Y es que la ascensión de The Good Wife desde su primer capítulo ha sido orgásmica. Ha pasado de ser un procedimental de abogados muy innovador y con un desarrollo de personajes inquebrantable a un drama polifacético sobre la justicia y la política más realista imposible. Eso sí, con toques de soap-opera elegantísima…, porque es la Tensión Sexual No Resuelta entre Alicia y Will lo que más nos pone de todo.

La segunda temporada de The Good Wife ha perfeccionado el descenso de Alicia a los sótanos más sucios de Chicago. Si la primera temporada presentó el conflicto de la protagonista entre lo personal y lo laboral, entre la vida familiar y la justicia, no sólo en los casos de Lockhart & Gardner, sino también en los procesos judiciales de Peter, su season finale ya avanzó la importancia de la política en la segunda entrega de la serie. La entrada de Eli Gold para salvar el culo a Alicia y la rueda de prensa que nos dejó con el corazón en un puño fueron los primeros síntomas de que la Florrick, como dijo Diane en el capítulo del último martes, se convertiría en “el puente entre lo legal y lo político” de lo más granado de Chicago, con intromisiones en su vida privada incluido, por supuesto. Y lo que nos queda: los conflictos en la relación personal y laboral de Will y Alicia, con Peter Florrick como fiscal cabreado de por medio, darán mucho que hablar en la tercera.

Precisamente el conflicto entre lo público o político y lo privado ha sido desde el principio el puntal de la ficción; The Good Wife tiene una miga muy melodramática - el conflicto entre el deber familiar, laboral, o político, y el propio deseo, viene de muy lejos - camuflada tras la apariencia de un drama light de abogados. Ese collage de géneros y perspectivas hace que la serie, al igual que otros dramas legales como Damages y Silk, lance una de las reflexiones más perfectas sobre las dinámicas reales del poder, la justicia y lo personal. No es casual que el desencadenante de The Good Wife fuera la dimisión real de un político corrupto estadounidense acompañado de su esposa, así como que los casos de Lockhart & Gardner tengan un referente directo con la realidad, desde el caso Facebook a Strauss-Kahn.

Sin embargo, todo lo que de político tiene que decir The Good Wife se quedaría en nada si no fuera el relato televisivo mejor desarrollado y más entretenido de hoy en día. Porque, para qué engañarnos, lo que más nos interesa es lo que le pasa a los personajes. Y respecto a eso, la segunda temporada ha sido de infarto. Si en la primera vimos cómo Alicia se maleaba poco a poco al contacto con los demás, habiendo estado dedicada solamente a su familia durante años, en los últimos 23 capítulos han sido el resto de protagonistas los que se han transformado gracias a ella.

Desde Cary, al que la envidia hacia Alicia ha convertido en uno de sus principales enemigos y ha acabado pasándose definitivamente al bando de los malos; Peter, que casi logró convencernos de su conversión en uno de los buenos por el “amor” a su mujer; Eli, que es ahora un hombre comprensivo y con un punto débil (que vuelva America Ferrara, por favor); Will, que en la season finale dejó de lado los tejemanejes judiciales y se ha convertido en un hombre “familiar” y enamorado, a Kalinda, que reniega totalmente de su pasado - y que en el último capítulo empieza a recelar de sus affaires con casados/as - tras haber fallado a su mejor amiga.

Y es que, para revolución, Alicia Florrick. Porque lo de que es buena esposa es mentira, y con razón. Desde que le salió mal “el plan” con Will a principios de temporada, Alicia se ha debatido constantemente entre su jefe, que encima va y se echa novia, y Peter, que parecía no haber roto un plato en su vida. Y es a Kalinda (al final hasta la prota va a tener que agradecerle haber sido "la querida") a quién debemos la transformación final de Alicia en esa última escena, en una mujer que abandona el “deber” y se deja llevar por el “deseo”… Y es que The Good Wife tiene mucho de soap-opera o melodrama…, pero de momento con un happy ending por todo lo alto.

El 'good timing' de Alicia y Will

2011-05-20T15:49:00.000+02:00

SPOILERS de la season finale de The Good Wife

Lo que ha conseguido The Good Wife sólo lo hacen las grandes series (muy pocas), y los clásicos cinematográficos. Nada de Mundial de fútbol o Boda Real. El evento televisivo de la última temporada ha sido la season finale de The Good Wife, y ya no por su fenómeno fan o la expectación que ha creado (porque aunque la serie de Alicia Florrick no sea una de la más vistas, sí es la más comentada y admirada en las redes sociales), sino por lo “importante”, lo que discurre dentro de ella. Como las grandes películas, vamos, pero ésta se emite todas las semanas por la tele. Muchos han traído a colación del último capítulo de la temporada lo mejor del planteamiento audiovisual de la serie, incluso hemos pasado a considerarla un "clásico contemporáneo" y a compararla con Wong Kar-wai. Y es que lo que parece descabellado para cualquier otra serie le sienta como anillo al dedo a The Good Wife.

Y sí, cuando el río suena, agua lleva. La última escena de la season finale es un milagro de la dirección de guión y actores. Es cierto que la autoría en televisión es un concepto devaluado; la unidad estilística es difícilmente adaptable a los productos televisivos que, por lo general, reniegan de la consagración artística a favor de la continuidad, y caen en manos de multitud de realizadores. Sería más fácil para una serie de género destacar por un enfoque formalista y autoral (Boardwalk Empire y Mildred Pierce son claros paradigmas televisivos del cine negro o el melodrama); sin embargo, la mayoría de ficciones actuales huyen de la adscripción genérica; The Good Wife, entre ellas, opta por una visión multiformal de la realidad, poliédrica (desde el procedimental de abogados hasta el drama político y familiar o la soap-opera), que la hace mucho más contemporánea.

Sin embargo, ya sea fruto del azar o de la conjunción de los planetas, The Good Wife ha mantenido en cada capítulo un sorprendente equilibrio entre lo que argumentalmente exige la historia y su puesta en escena, desde la primera escena del piloto, ya comentada en el blog, hasta la última filmada. La escena del ascensor es perfecta para concluir la temporada, la transformación de Alicia en una mujer que desea y actúa en consecuencia y Will en un hombre que deja de lado las mentiras piadosas del bufete para dar a conocer su “verdadero yo”. Robert King, como buen director catódico, ha sabido dilatar al máximo el momento y manejar el bad timing de la pareja tan magistralmente como lo ha hecho su equipo durante dos años de programa; el continuo abrir y cerrar de puertas, la llave de la habitación que no funciona y la cámara que se aleja. Y lo ha hecho como los grandes; permitiendo un deleite en el visionado que hace The Good Wife perfectamente comparable a Douglas Sirk o Wong Kar-wai. Sin duda, serán durante mucho tiempo los mejores tres minutos de la televisión.